viernes, 31 de julio de 2009

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John Ford. Resultados encuesta.

En esta primera experiencia de encuesta realizada por el blog Aquí un amigo, la pregunta era ¿Qué película del oeste de John Ford te gusta más? Y teníamos cuatro opciones para elegir: La diligencia, Fort Apache, Centauros del desierto y El hombre que mató a Liberty Valance. Obviamente nos hemos dejado fuera muchos títulos de renombre pero elegimos estos por considerarlos representativos de todos las épocas del maestro americano.

Los resultados de vuestras votaciones se han traducido en los siguientes datos:


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Che, vení a Animadrid

web Animadrid

Animadrid 2009



Pozuelo de Alarcón,
24 sep -2 oct






Amplía el plazo de incripción hasta el 6 de julio.

Las secciones competitivas son:
    Cortometrajes (de menos de 45´).
    Trabajos realizados por escuelas de animación (con posterioridad al 1 de enero de 2008).
    Cortinillas (de menos de 2´), destinadas a la promoción del Festival.

La programación de Animadrid´09 se centrará en la animación argentina. Además de realizar una retrospectiva en la que no puede faltar El Apóstol (1917), sátira política realizada por Quirino Cristiani y que es el primer largometraje de animación en todo el mundo, también contará con la presencia de figuras destacadas como Manuel García Ferré, responsable del personaje Petete; Liliana Romero, coautora de Martín Fierro (2008); y Juan Pablo Zaramella.


Asimismo, "Animadrid 2009 quiere también reconocer la labor argentina realizada en festivales especializados en animación, como Anima, de Córdoba o Expotoons, de Buenos Aires, además de por el desarrollo en televisión del programa Caloi en su tinta, que desde hace años muestra los mejores trabajos surgidos en la animación internacional".

miércoles, 29 de julio de 2009

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Tim Burton. Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland)

Tim Burton durante el rodaje de Alice in Wonderland
La protagonista, Mia WasikowskaEn 2007 se anunciaba la contratación de Tim Burton por parte de los estudios Disney para el rodaje de dos filmes, Alicia en el país de las maravillas y Frankenweenie (basada en un corto de Burton realizado en 1984). En relación con el primer proyecto, Alicia en el país de las maravillas, parece ser que el realizador quiere mantener la naturaleza clásica de la obra de Lewis Carroll pero dándole cierta frescura y llevándola al terreno de la iconología personal del autor de Eduardo Manos Tijeras.

Para este proyecto Burton ha contado con los habituales Johnny Deep y Helena Bonham Carter, a los que hay que añadir los nombres de Anne Hathaway, Mia Wasikowska (que interpretará el personaje de Alicia) o la voz de Christopher Lee. La película no será un remake sobre otros filmes sino que Burton prepara una especie de secuela basada en la continuación de la obra de Carroll: A través del espejo.


Johnny Deep Helena Bonham Carter

Ahora nos llegan las primeras imágenes del trailer de este filme que se estrenará en EEUU en la primavera de 2010. Un material fantástico para el universo creativo de Tim Burton que continúa apostando por una trayectoria absolutamente personal.

martes, 28 de julio de 2009

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Cine español en San Sebastián

web Festival
Tras unos años en que el Festival de San Sebastián parecía consentir ser mero escaparate de preestreno de (algunas) películas españolas, la 57 edición acoge en su programación competitiva jóvenes que han despuntado con su personal forma de hacer cine. Patios de cárceles y billares franceses dejan paso a tiros en la cabeza cinematográficos. Puestos a ajustar el presupuesto, se agradece que el Festival se decante por respaldar el cine español que da que hablar más allá de nuestras fronteras (y series de televisión).

La participación española será,

En la Sección Oficial:

sinopsis
Los condenados, de Isaki Lacuesta. Director catalán que despuntara con Cravan vs. Cravan (2002), confirmó su buen hacer reformulando la noción clásica del documental con su segundo largometraje La leyenda del tiempo (2006) y diversos trabajos audiovisuales.


sinopsis
La mujer sin piano, de Javier Rebollo. En su segundo largometraje, tras Lo que sé de Lola (2006), Rebollo suple su actriz fetiche Lola Dueñas por la popular Carmen Machi. A pesar del cambio de protagonista, probablemente, el director madrileño seguirá descolocando al espectador con su mirada selectiva.


sinopsis
Yo, también, de Álvaro Pastor y Antonio Naharro, quienes dan el salto al largometraje tras diversos cortos, como el multipremiado Invulnerable (2005).



sinopsis
Y, fuera de concurso, Fernando Trueba presentará su nueva película El baile de la Victoria






En la Sección Zabaltegi-Nuevos Directores, en la que también se incluyen Rebollo, Pastor y Naharro, contará además con:

sinopsis
Màscares / Máscaras, con la que Elisabet Cabeza y Esteve Riambau repiten en San Sebastián tras La doble vida del faquir (2005).




sinopsis
Zorion Perfektua / Felicidad perfecta, primer largometraje del director vizcaíno Jabi Elortegi




sinopsis
Ori, en coproducción con Georgia, es el primer largometraje de ficción de Miguel Ángel Jiménez Colmenar tras realizar Días de El Abanico (2007).





sinopsis
También en coproducción, la participación española en la Sección Oficial se amplía con la presencia de El secreto de sus ojos, dirigida por el argentino Juan José Campanella.

lunes, 27 de julio de 2009

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James Gray y la política de autor

No sabemos el porqué pero hay un deseo en la crítica cinematográfica por encontrar nuevos directores a los que inmediatamente se les califica de autores respetables. Parece que una o dos películas bastan en estos tiempos de rapidez consumista para encumbrar la figura del director. En este contexto sus obras son aplaudidas o denostadas por una parte de la crítica. Un personaje que encaja como un guante en este modelo es James Gray (Nueva York, 1969), guionista, director y productor norteamericano, estudió en la School of Cinematic Arts, un instituto cinematográfico dependiente de la University of Southern California (que cuenta entre sus ex alumnos a gente del cine como George Lucas o Ron Howard).

En 1994, con 25 años, debuta en la dirección con Little Odessa (en España se estrenó con el título Causa de sangre). En este filme, del que Gray es también autor del guión, asistimos a la historia de un asesino a sueldo (Tim Roth) que debe volver a su ciudad natal para realizar un “trabajo”. El problema es que hace años tuvo que huir por problemas con la mafia local y ahora ese regreso significa exponerse a una situación de riesgo. El asesino tendrá que enfrentarse no sólo a los peligros de su pasado sino que también deberá hacer frente a problemas familiares (su madre agoniza víctima de un tumor y deberá cuidar de su hermano). Mafia, violencia y familia son los temas principales de este filme ambientado en el barrio ruso de Nueva York y que el director conoce bien pues es de ascendencia rusa. Por debajo de la estructura que marca el thriller, el filme introduce y desarrolla el drama familiar de los protagonistas.

En su siguiente obra, Gray insiste con un filme de temática similar, La otra cara del crimen (2000). En este caso, un hombre que ha salido de la cárcel intenta retomar su vida apostando por la honradez pero el entorno criminal en que se mueve la familia no es el camino más adecuada. Una vez más la familia se constituye en el marco referencial donde encaja el argumento. La otra cara del crimen es la película donde ya podemos observar las pautas temáticas que guían el trabajo artístico de James Gray: un personaje masculino que debe luchar contra su entorno y donde el peso familiar se convierte en el detonante de situaciones trágicas. Pero junto a aspectos temáticos comunes también encontramos una tendencia a la inverosimilitud de los argumentos que termina desacreditando el resultado final, un hecho que en el caso de James Gray es más punible pues él es el autor de todos sus guiones. El problema principal es que el filme se ve correctamente pero conforme se va desplegando la historia el espectador percibe las grietas de la narración.

El ejemplo más claro de este problema lo podemos apreciar es su obra más reconocida, La noche es nuestra (2008). Otra vez un thriller que ambientado en las disputas entre la policía y la mafia, donde un hermano pertenece al cuerpo de la policía siguiendo la tradición paterna (Mark Wahlberg) y otro está implicado en el entorno criminal (Joaquin Phoenix). Al final, como en todos sus filmes, aparece la figura del hijo pródigo que se ve en la obligación de retornar al hogar para salvar el honor familiar. En La noche es nuestra, la falta de coherencia en el guión es ya palpable y resulta muy difícil de entender cómo es posible que un personaje pueda estar integrado en la mafia sin que los criminales sepan que su familia (hermano y padre) pertenecen a la policía como oficiales destacados.



Tras La noche es nuestra, su siguiente película es Two lovers. Estrenada este año en el festival de Cannes, el filme aun no ha visto la luz en las salas de España. Esta vez, Gray abandona el género negro para realizar un drama amoroso con su actor fetiche (Joaquin Phoenix) y volver a poner en primer plano un análisis de la familia (un hijo con problemas psicológicos que vive en la casa familiar) y donde, otra vez, el hijo deberá sacrificarse para llevar adelante aquello a lo que está predestinado. Como en anteriores obras el guión deja a los personajes desubicados y no justifica sus acciones.

Por lo visto hasta el momento se puede reconocer una temática común en sus películas (con cierto tufillo conservador) y una inexplicable falta de verosimilitud en los argumentos. De momento, parece que estamos lejos de ese descubrimiento que parte de la crítica quiere ver en la figura de este director.





James Gray en Encadenados

jueves, 23 de julio de 2009

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La elipsis cinematográfica: 2001, una odisea del espacio (Stanley Kubrick) y El sur (Víctor Erice)

Continuando con el análisis de escenas cinematográficas de interés y aprovechando que estos días se ha hablado del 40 aniversario de la llegada del hombre a la Luna se ha citado frecuentemente la película 2001, una odisea del espacio, y hablando de esta película no podemos pasar por alto el mejor ejemplo de elipsis. La elipsis es una figura gramatical que consiste en la supresión de una o más palabras en una frase, sin que esta eliminación suponga una pérdida de significado.

En el cine la elipsis supone un salto en el tiempo o en el espacio y es una característica inherente al lenguaje cinematográfico pues confiere agilidad al relato eliminando aquellos bloques que no aportan información sustancial al relato. Por ejemplo, si un personaje sale de su casa para ir la cine, mediante la continuidad a través del montaje de los dos espacios (casa y cine) entendemos que el personaje se ha desplazado de un lugar a otro, obviando el trayecto. Las elipsis cinematográfica puede incorporar también elementos sonoros (voces de los personajes, voz en off, efectos de la banda sonora) o elementos gráficos a través de rótulos en pantalla (“un mes después”, “diez años más tarde”).

Pero cuando la elipsis tiene verdadera importancia es cuando trasciende más allá de su carácter instrumental y se convierte por sí misma en generadora de contenido. En la película de Kubrick tenemos la evolución del hombre representada a través de esos planos donde se une el lanzamiento del hueso con la nave espacial. Esta elipsis tiene un doble valor; en primer lugar elimina todo el periodo conocido por el hombre pues precisamente a Kubrick lo que le interesa es el pasado y el futuro, y en segundo lugar, la unión de ambos planos significa la evolución del hombre, de ese gesto que ha significado usar el hueso como instrumento se pasa a la nave espacial como último elemento de la cadena de aprendizaje. En este caso es el movimiento del objeto en el plano (hueso/nave espacial) el que provoca la continuidad de la escena.


2001, una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1969)
Afortunadamente el cine está plagado de este tipo de efectos. En el cine español tenemos una de las elipsis más hermosas que se puede ver en una pantalla. En la película El sur de Víctor Erice, el director utiliza una elipsis para mostrar el paso de los años representado el crecimiento de la protagonista que pasa de niña a adolescente. Para este caso Erice utiliza dos planos encadenados donde la niña se va por una alameda con la bici y en el siguiente plano, fundido con el anterior, nos muestra su regreso donde vemos que ha ha crecido. En esta escena se juega con los colores, el sonido y la profundidad de campo que se acrecienta por el efecto de los árboles, además de incorporar el perro que es un elemento más para insistir en el paso del tiempo . Pero lo más bonito de esta escena es que el director refuerza el efecto con ese fundido que a la vez que enlaza el espacio (un mismo plano en un mismo sitio) mientras escenifica el salto en el tiempo.


El Sur (Víctor Erice, 1983)

miércoles, 22 de julio de 2009

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A propósito de literatura y cine


El lunes de esta semana, tal como se había anunciado en este blog, se ha celebrado en la Fnac de Sevilla la presentación de la colección de libros de cine ‘Lagartos de Cine’ que se inicia con tres libros dedicados a los largometrajes La soledad, de Jaime Rosales (Goya a la Mejor Película 2007), La flaqueza del bolchevique (presentada en el Festival de San Sebastián 2003) y Lo que sé de Lola, de Javier Rebollo (Premio FIPRESCI 2006 en el London Film Festival).

El acto ha contado con la presencia del editor de la colección y director de la película La flaqueza del bolchevique, Manuel Martín Cuenca; el director de la película La soledad, Jaime Rosales; y el director de Sevilla Festival de Cine Europeo, Javier Martín-Domínguez, que ha apoyado con su presencia esta iniciativa cultural.

‘Lagartos de cine’ es una nueva colección de la editorial almeriense Lagartos Editores (en colaboración con la Diputación de Almería y el Festival Internacional de Cine de Almería) dedicada a editar guiones de películas del mejor cine de autor español. Como afirmó Martín Cuenca “es una iniciativa puesta en marcha con la intención de poder ofrecer a los autores de la películas un lugar para que puedan reflexionar sobre sus trabajos de la forma que quieran”.

Sin duda, las aportaciones más sugerentes de este encuentro han sido los comentarios y reflexiones del director Jaime Rosales. El libro del guión de La soledad, escrito por él mismo y Enric Rufas está acompañado de un cuaderno de notas que es una declaración de intenciones previas al rodaje de la película. Sin duda un material de interés para conocer los procesos creativos que desembocan en la producción de una película. Rosales manifestó con cierta ironía haber “cumplido mi sueño frustrado de ser escritor". De hecho no es partidario de publicar sus guiones ya que considera que no son un material literario. Filmar es, relativamente, fácil, lo complicado es escribir”.

Rosales desarrolló algunas reflexiones sobre el papel del cine en la sociedad actual. Para este director el cine debe hacer pensar a los espectadores. No se trata solamente de entretener. Para ello, los aspectos formales permiten en cierto grado 'deconstruir' el discurso convencional. De hecho, planteó la idea de que la evolución lógica del cine debería ser poder llegar a prescindir de un guión literario y poder elaborar una narración puramente audiovisual, no dependiente de las estructuras literarias. En ese sentido resultó interesante la referencia a su última película Tiro en la cabeza, rodada a partir de un guión de solo 15 páginas. En todo caso, se trata de una visión personal que sin duda alude a una determinada manera de 'ver' el cine.

En clave más anecdótica, pero sin duda también de interés, resultó la referencia a la película Gomorra, a propósito de su carácter documental y de denuncia. Curiosamente mencionada por el director del Festival de Cine de Sevilla, ya que fue la película que inauguró este certamen en la pasada edición. Para Rosales se trata de una película tramposa, ya que en realidad funciona como elemento propagandístico de la Camorra napolitana, dando protagonismo a los mafiosos, a imagen y semejanza de las películas del director italoamericano Martin Scorsese. Sin duda fue un encuentro gozoso para los enamorados del cine.

martes, 21 de julio de 2009

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Festival de Música de Cine de Úbeda

V Festival de música de cine Ciudad de Úbeda (1): avance
El paraíso del aficionado
Úbeda, 16 al 29 de julio



Escribe Sabín

Durante años, fue el Congreso internacional de música de cine de Valencia el punto de encuentro habitual para los forofos de las bandas sonoras, los analistas o, sencillamente, los aficionados que querían disfrutar de la presencia de unos músicos de primera línea y de algún concierto de alto nivel.

De alguna manera, Sevilla tomó el relevo con sus encuentros internacionales, apoyados además por la edición de algunos discos antológicos a cargo de Maurice Jarre o José Nieto.

Desaparecidos ambos eventos en la última década del siglo pasado, el testigo lo han tomado distintas iniciativas, en lugares como Barcelona o Tenerife, donde se han sucedido conciertos, publicaciones, mesas redondas y alguna otra iniciativa esporádica.

De todos los sucesores, quizá el que goza de un mayor prestigio hoy en día es el Festival de Úbeda, que este año cumple su quinta edición con un esquema similar al de las anteriores (mesas redondas, conciertos, tiempo libre para compartir con los autores e incluso un horario específico para que estos firmen bandas sonoras a los fans), aunque anuncia una novedad: la presentación de un DVD con el concierto del año 2006 de Basil Poledouris junto a distintos materiales complementarios (entrevistas, fotos...), un trabajo que fue distribuido en 2007 con muy mala calidad y que ahora se presenta en una edición remasterizada.

Sobre el papel, el certamen de Úbeda es hoy en día el más interesante de cuantos se realizan en nuestro país (si acaso sólo le hace sombra el Fimucité de Tenerife) y más si tenemos en cuenta la larga lista de compositores que se van a dar cita en el evento (Patrick Doyle, Michael Giacchino, Christopher Young, Joel McNeely, Roque Baños, Claudio Simonetti, Pascal Gaigne, Philippe Rombi y Antonio Meliveo, entre otros), junto a algunos habituales de la ciudad jienense (como el editor Robert Townson, alma mater de la incombustible Varèse Sarabande, el sello por excelencia de bandas sonoras)... y eso que dos de las grandes estrellas han fallado: hace semanas que se supo que Joe Hisaishi no podría acudir, a última hora ha sido Bruno Coulais quien ha disculpado su ausencia por tener que finalizar la banda sonora de Lucky Luke, actualmente en proceso de grabación.


Continuar leyendo en Revista de Cine Encadenados

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Amanece, que no es corto

Ya han pasado 20 años desde que José Luis Cuerda realizara Amanece, que no es poco, y "es contingente y necesario hacer un flashback colectivo..."



blog Amanece, que no es corto
"El I Certamen Nacional de Cortos “Amanece que no es Corto” se presenta para conmemorar esta obra maestra del albaceteño José Luis Cuerda y recordar los escenarios de Albacete y la Sierra del Segura donde se rodó".

Se seleccionarán 2 guiones (con una extensión inferior a 20 pág.) para la posterior realización de un corto de ficción de máximo 10´. “Los dos proyectos ganadores están dotados con la completa producción de los mismos (35 mm o vídeo) por el Instituto de Promoción Turística de Castilla-La Mancha y aquellas entidades con las que ésta contrate la producción”.

Presentación de proyectos: hasta el 20 de agosto

domingo, 19 de julio de 2009

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Comedia clásica. Un marido en apuros (Leo McCarey)

Un marido en apuros El verano es una época ideal, por aquello del tiempo libre, para recuperar películas o libros olvidados. Ahora que en Encadenados estamos revisando los clásicos para el especial de John Ford, he recuperado un film que tenía olvidado por casa que me ratifica el valor del cine clásico. En este caso es Un marido en apuros (el título original es Rally 'Round the Flag, Boys!), una película de 1958, la penúltima que dirigió Leo Mc Carey. Guionista y director americano que cultivo con frecuencia el género de la comedia.

Cuando se habla de comedia clásica, los nombres que suelen repetirse con mayor frecuencia son los de Lubitch, Wilder o Edwards pero si alguien se acerca a las películas de este director podrá apreciar el estilo del que hacia gala y que dejó patente en muchas películas de su filmografía. Antes de convertirse en director en la década de los 30, McCarey se había forjado como supervisor de gags para los cortometrajes cómicos del cine mudo (slapstick) y estrellas como Stan Laurel y Oliver Hardy le deben mucho a la inventiva de este creador.

Un matrimonio ejemplar Una dama de la comunidad
Entre sus películas encontramos su colaboración con los hermanos Marx (Sopa de ganso, 1933) o la obra que le dio un Oscar como director en 1937, La picara puritana (The Awful Truth, 1937). Posteriormente su éxito se fue acrecentando debido a la popularidad de sus melodramas musicales (Siguiendo mi camino, 1944 o Las campañas de Santa María, 1945). En 1957 rodaría la comedia sentimental Tu y yo (con Gary Grant y Deborah Kerr un remake de el film que el propio director dirigió en 1939 y que todavía daría para un posterior remake, Algo para recordar, en 1993).

Un ejército tontorrón


Un marido en apuros (protagonizada por Paul Newman, Joanne Woodward y Joan Collins) es una comedia que plantea una revisión del american way of life, así una familia en principio perfecta (matrimonio con dos hijos que no tiene problemas de dinero) verá complicarse su convivencia por la supuesta infidelidad de su marido (que no es cierta), mientras el ama de casa se rebela de su papel sumiso para convertirse en protagonista debido a un incidente con el ejercito. Rodada en cinemascope y con colores vivos, en clave de comedia, el filme no deja prácticamente a nadie indemne de sus críticas, desde el papel de marido tonto manipulado por las mujeres (Paul Newman), la afable esposa (Joanne Woodward), la calenturienta pretendiente (Joan Collins) o la idiotez de los miembros del ejercito. El trabajo de Mc Carey se nota fundamentalmente en algo que ya no suele ver en nuestro cine actual y que es el saber terminar bien el gag. En la escena donde la mujer descubre a su marido y a la que ella cree que es su amante escondida en el cuarto de baño todo el fragmente es absolutamente cómico, pero cuando parece que el marido está explicando la situación, el guión remata la escena con el camarero que entra con el champán y el caviar.

Paul Newman colgado de la lámpara


Toda la película está llena de estos ejemplos (la hilarante escena donde Paul Newman termina colgado de la lámpara, la primer conversación de Paul Newman con los representes del ejercito). Un film de los que la crítica considera “menor” pero que es absolutamente recomendable y que da una visión ácida de la clase media americana.

sábado, 18 de julio de 2009

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`Lagartos de Cine´, colección de libros

web `Lagartos Editores´
La editorial ejidense presenta el próximo lunes 20 la nueva colección de libros `Lagartos de cine´. En colaboración con el Sevilla Festival de Cine Europeo y la librería Fnac, esta colección está “ dedicada a editar guiones de películas del mejor cine de autor español ”.

La colección, coordinada por el director de cine Manuel Martín Cuenca, inicia su andadura con tres libros dedicados a largometrajes:
    La flaqueza del bolchevique (Martín Cuenca, 2003), además incluye una conversación entre su director y el escritor Lorenzo Silva, con quien Martín Cuenca coescribió la película, “ que permite profundizar en la naturaleza de una adaptación literaria al cine y conocer los métodos que siguieron para escribir el director de la película y el prestigioso Premio Nadal”.

    Lo que sé de Lola (Javier Rebollo, 2006), que contiene también un diario de rodaje de la película ganadora del Premio Fipresci en el London Film Festival.

    La soledad (Jaime Rosales, 2007), donde el coguionista de la ganadora del Goya a la Mejor Película del año, Enric Rufas, acompaña la edición con una reflexión sobre las fases de creación de un guión cinematográfico. “Un revelador cuaderno de notas aforístico que es una declaración de intenciones previas al rodaje de la película”.


web `Lagartos Editores´
`La flaqueza del bolchevique´, `La soledad´, `Lo que sé de Lola´web Encadenados


seb Sevilla Festival de Cine Europeo
El acto tendrá lugar a las 19h. en el Fórum de Fnac Sevilla (Avda. de la Constitución, 8). Contará con la presencia de Manuel Martín cuenca, editor de la colección; Jaime Rosales y Javier Martín Domínguez, director de Sevilla Festival de Cine Europeo


jueves, 16 de julio de 2009

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Vuelve el cine en 3D: ilusión e industria

Los crimenes del museo de cera Tanto desde el sector profesional cinematográfico como desde diferentes artículos de prensa se viene reivindicando el factor incentivador que está teniendo de cara a la taquilla las nuevas películas en 3D, películas que desde hace algún tiempo tenemos posibilidad de ver en los cines de las grandes ciudades. Parece que, de momento, es la única acción posible para atraer público a las salas combatiendo la piratería en Internet.

No es nada nuevo, cuando la televisión empezó a tener fuerza a mediados de los años 50 en EE.UU el cine ya desarrolló diferentes sistemas para atraer al público al cine, desde el cinemascope al cinerama. Ahora que estamos hablando del cine de John Ford, en el libro de Peter Bogdanovich el gran director americano opina sobre el cinemascope: “¿Qué le pareció el cinemascope?” Pregunta Bogdanovich, “Me reventó” contesta Ford, “¿y el Cinerama?”, “Es peor que el cinemascope” apostilla Ford.



Unos niños en la sala
Y dentro de esta estrategia apareció el cine en tres dimensiones. Algunas de las películas más famosas de aquel momento fueron Los crímenes del museo de cera (1953) dirigida por André Toth o Crimen perfecto (1954)de Alfred Hitchcock . En ellas siempre aparecían escenas que provocaban el impacto visual con el espectador aprovechando la sensación de relieve (el efecto “salir de la pantalla”). El sistema no tuvo el efecto deseado pues en aquel momento la técnica existente acotaba las posibilidades (el sistema se basaba en dos películas de diferente color que se superponían y las gafas con celofán rojo y verde permitían apreciar el efecto de relieve). Aún así, de vez en cuando, se distribuía alguna película aprovechando este sistema, por ejemplo a finales de los 70 se distribuyó en España el film Carne para Frankestein (1974) de Paul Morrissey que incluía algunas escenas en relieve.


Últimas películas de dibujos animados
Ahora el sistema se ha retomado con fuerza y la nueva tecnología permite solventar los defectos del sistema antiguo facilitando una visión de la película en 3D mucho más placentera y donde la sesión ya no se convierte en una tortura.. Así el cine de animación se ha lanzado a explotar el sistema sabiendo que atraer a toda la familia al cine es la manera más favorable de conseguir una rentabilidad de cara a los ingresos en taquilla. Bolt, Los mundos de Coraline, Monstruos contra Alienigenas o Ice Age 3 son los últimos ejemplos, y está pendiente de estreno la última de Pixar-Disney, Up, o el concierto de los Jonas Brothers.

Los niños son los que mejor se lo pasanHay que reconocer que el sistema tiene su gracia, los niños se lo pasan pipa, pero también es verdad que este sistema no es la panacea que va a salvar al cine de su crisis. El cine ya tiene relieve desde sus inicios: el uso de los planos, el movimiento de la cámara, la profundidad de campo, el montaje y sobre todo las buenas historias es lo que da auténtico “relieve” al cine. Al final, el 3D condiciona excesivamente la forma de filmar pues toda va en función de remarcar los efectos de relieve en la pantalla (personajes en primer plano, objetos que se lanzan frontalmente, etc) y no hay películas que desarrollen estéticamente el invento.

Y ya por último, hay que destacar que este renacido método está sirviendo para que los propietarios de las salas de cine de nuestro país recauden aprovechando la novedad. Así, en unos de los cines de Valencia habilitados para este tipo de proyección, concretamente los Aqua, la entrada para la película en 3D es la más cara de las existentes y, sin demasiada lógica, no se aplica ni el descuento del día del espectador ni el descuento infantil. Después el mundo del cine (productores,, distribuidores, exhibidores) se quejan de la falta de asistencia de los espectadores a las salas, pero es que los mismos que se quejan son los que se aprovechan del espectador a la mínima ocasión.
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`Inglourious Basterds´ en San Sebastián

web Festival de San Sebastián

El Festival de San Sebastián abrirá el viernes 18 de septiembre con Inglourious Basterds (Malditos bastardos), de Quentin Tarantino, incluída en Zabaltegui-Perlas.

video


información Zabaltegi-Perlas
Sección destinada a recoger películas destacadas en otros festivales internacionales, también incluirá en su programación:


Five minutes of heaven, de Olivier Hirschbiegel

Kasi az gorbehaye irani cavar nadareh (No one knows about persian cats), de Bhaman Ghobadi

The limits of control, de Jim Jarmusch

Mother, de Bong Joon-ho

Precious, de Lee Daniels

Un prophète, de Jacques Audiard

Taking Woodstock, de Ang Lee

Vengeance, de Johnnie To

Whatever works, de Woody Allen

Yuki & Nina, de Nobuhiro Suwa, Hippolyte Girardot


miércoles, 15 de julio de 2009

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El vídeo de John Ford: todo un clásico

Noooo, no es el video de Peter Bogdanovich sobre John Ford. Este es... diferente. Ya tenemos en Encadenados el nuevo Rashomon dedicado al cine del oeste de John Ford y Kaplan y Smithee nos han preparado un nuevo video. Todo un clásico.


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Premio a la difusión del cine español

(izd-dch) Ángeles González-Sinde, Ministra de Cultura; Àlex de la Iglesia, presidente de la Academia; Miguel Ángel Moratinos, Ministro de Exteriores; y Soraya Rodríguez, Secretaria de Estado de Cooperación Internacional
La Academia de Cine ha entregado el Premio González-Sinde a la Filmoteca del Ministerio de Asuntos Exteriores por su “labor y compromiso […] con la difusión del cine español, como medio de expresión dotado de lenguaje propio, para el fomento y cohesión cultural entre los pueblos”.

Creado en 1998, el Premio González-Sinde toma el nombre del primer presidente de la Academia para “ reconocer la labor de instituciones o personas que emplean el medio cinematográfico para la consecución de fines sociales ”. En esta ocasión, se ha valorado el trabajo promocional que realiza la AECID a través del Programa de Cine Español para el Exterior, programando “casi un millar de ciclos de cine, en colaboración con las representaciones diplomáticas y consulares que sirven de enlace con departamentos de español en universidades extranjeras, centros culturales, las sedes del Instituto Cervantes y cualquier institución de carácter cultural interesada en el conocimiento de la cultura española a través del cine”.

Campaña FAD, junio 2009, dirigida por Àlex de la Iglesia
En las ediciones anteriores, el Premio González-Sinde fue concedido a la Fundación de Ayuda contra la Drogadicción, por su campaña de proyecciones cinematográficas para los niños, dentro de un programa más amplio que fundamenta en la cultura una parte importante de la prevención de la drogadicción; a la Fundación “La Casa del Actor”, por su labor a favor de los actores retirados; al Colectivo Drac Màgic, “por el empleo didáctico y pedagógico del cine y su difusión entre los niños y adolescentes”; a la asociación Cinema Rescat, por su trabajo en la recuperación del patrimonio cinematográfico; al Museu del Cinema Coŀlecció Tomàs Mallol de Girona, “por su extraordinaria labor de conservación, exhibición y promoción del patrimonio y de la historia de la cinematografía”; a la librería especializada 8 y Medio, por su implicación en la difusión del cine, especialmente en la edición de libros sobre el cine español; a Josep Maixenchs, “por su gran labor en la difusión de la cultura cinematográfica a través de la enseñanza”; al Instituto Valenciano de Cinematografía Ricardo Muñoz Suay (IVAC); al Festival de Nantes, por su contribución a la difusión de la cultura cinematográfica española en Francia; y al Festival Solidario de Cine Español de Cáceres, “por su labor de promoción del cine español (proyecciones, libros, revistas, talleres y congresos) y la donación de todos los beneficios generados (recaudación en las proyecciones, taquilla de la gala benéfica de entrega de Premios y venta de catálogos) a diferentes ong's extremeñas”.

martes, 14 de julio de 2009

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Noches de Cine en el claustro de La Nau

web Centro Cultural La Nau
Del 14 al 25 de julio, el Aula de Cinema de la Universitat de València realizará sus proyecciones al aire libre, en el claustro del Centro Cultural La Nau. Las sesiones en horario nocturno (22:00 h) se trasladan al claustro del edificio histórico de la UVEG, donde continuarán son el esquema habitual: “con entrada libre y presentación antes de las películas y coloquio con el público después para sacar el máximo jugo posible a cada una. Las presentaciones correrán a cargo de miembros del Aula de Cinema, así como de expertos invitados especialmente para la ocasión, entre los que se encuentran José Antonio Hurtado Álvarez, director de programación del IVAC-La Filmoteca, Imanol Zumalde Arregui, profesor de la Universidad del País Vasco y Jordi Costa, crítico cinematográfico colaborador de medios como El País o Cahiers du cinéma”.

web Centro Cultural La Nau
Las películas se agrupan en dos ciclos: Imágenes de la ciudad: transformaciones en el tiempo, que cuenta con el apoyo del Colegio Territorial de Arquitectos de Valencia, y El superhéroe. Retratos contemporáneos, que “ pretende ilustrar cómo éstos ya no son los superhombres luminosos, sin dudas y de una pieza que eran antes […].Se han transformado en personajes mucho más complejos. Aunque en este subgénero también hay sitio para la parodia”.

Programa: Castellano / Catalán
    M 14 Caro Diario (Nani Moretti, 1993)
    X 15 Batman (Tim Burton, 1989)
    J 16 El juez de la Horca (The Life and Times of Judge Roy Bean, John Huston, 1972)
    V 17 El protegido (Unbreakable, M. Night Shymalan, 2000)
    S 18 Metrópolis (Metroporisu, Rintaro, 2001)
    D 19 Spiderman (Spider-man, Sam Raimi, 2002)
    L 20 En Construcción (José Luis Guerín, 2000)
    M 21 Hulk (The Hulk, Ang Lee, 2003)
    X 22 Tokio-Ga (Tokyo-Ga, Wim Wenders, 1985)
    J 23 Los Increíbles (The Incredibles, Brad Bird, 2004)
    V 24 Alemania, año cero (Germania, anno zero, Roberto Rossellini, 1948)
    S 25 Blade Runner (Ridley Scott, 1982)
Sesiones en V.O.S.E.
Entrada libre / Aforo limitado

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