Calificaciones: julio (3/3)

Crítica de Las vidas posibles de Mr. Nobody

Ulises transmoderno    1  2  3  4  5

Escribe Juan Ramón Gabriel

Una cáscara recamada de transcendencia y profundidad, pero al fin y a la postre mero envoltorio, recubre una simple y sencilla historia de amor, pero no tan simple y sencilla de relatar y enunciar si se quiere imbuir al espectador del desgarro amoroso. Como se intuye la dificultad de tamaña empresa, de elaborar unos mimbres cinematográficos que expresen la prístina complejidad de un ancestral sentimiento, se recurre a un diseño de producción fastuoso, esteticista y naíf, que disimule la pobreza de la historia, la banalidad del guión, la falta de osadía para arrostrar, en pleno siglo XXI, con convicción y con sinceridad, una historia de amor o, en su defecto, la imposibilidad de la misma.

Así pues, se hace uso de un abigarramiento genérico (mezcla de comedia romántica, aliñada con toques surrealistas amparados en la explotación de la ciencia ficción) y de una estructura discontinua, quebrada, especie de puzle que debe ser construido por el espectador, pero que el propio narrador de la película, con sus constantes y reiterados subrayados enfáticos, en lugar de ayudar a la recomposición, sólo consigue sembrar más confusión y hastío.

Ese hilo conductor se encarna en el personaje protagonista, Nemo Nobody. El pleonasmo de su nombre se amplía al desarrollo argumental, a la constante repetición de posibles situaciones vitales derivadas de posibles elecciones. En cierto modo, como decíamos, es coherente con la nada del enunciado: al modo de una especie de posmodernidad de la posmodernidad, llevando a cabo una vuelta de tuerca sobre la imposibilidad (posmoderna y relativista) de discernir la fantasía de la realidad, o mejor, de otorgar mayor credibilidad a una que a otra, la película se esfuerza y se parte la cara por exhibir todo un repertorio contrafactual de proyectos vitales asociados, en último extremo, al poder de decisión-elección de Nemo Nobody.

Por un lado, tenemos los antecedentes: la historia del conocimiento y enamoramiento de sus padres, historia que responde a una circunstancia, por supuesto, aleatoria. De esta aleatoriedad la película dará abundantes muestras, empeñándose, además, en conferirle un velo intelectual, más próximo a la vulgata científica, amparándose en teorías y conceptos científicos: la entropía, la teoría de las cuerdas, el big bend y el big crunch…, en fin, todas aquellas teorías que pueden ser utilizadas como coartadas del guión.

El problema radica en que todos estos enunciados pseudo-científicos, más literariamente atractivos por fantasiosos que por científicamente explicativos, sólo sirven para elaborar la cáscara, pero que cuando la película intenta profundizar se da de bruces con las viejos y consabidos problemas humanos: el dolor, la incomunicación, el enamoramiento, las rupturas de parejas…, y aquí el director no sólo no descubre nada nuevo bajo el sol, sino que se regodea en dar un tratamiento manido, empalagoso, almibarado y, en ocasiones, con diálogos sonrojantes al verdadero problema transcendental que tiene entre manos.

De este atolladero no consigue salir, ante lo cual siempre le queda echar mano del adorno posmoderno: ruptura de la linealidad, ángulos imposibles, enervante repetición de una misma situación, ralentización y apresuramiento. En especial, hay que destacar los constantes despertares del protagonista, sumergido constantemente en el agua, pues para algo no sabe nadar, enlazando arbitrariamente planos de su vida sin correspondencia aparente.

Las tres mujeres que rodean la vida del protagonista tienen un tratamiento desigual, ocupando el mayor espacio, hasta convertirse en el leitmotiv amoroso del filme, la protagonizada por Diane Kruger-Anna, tabla de salvación a la que aferrarse en medio del desorden amoroso y vital. El director intenta recrear una historia al modo de Tú y yo, de convertir esta persecución amorosa en el eje central de la película, la cuota romántica.

Las otras dos mujeres simbolizan la frustración de la pasión amorosa, el fracaso de la relación de pareja: en una porque Nemo ama pero no es correspondido a la altura de su amor; en otra, porque se ha impuesto una elección amorosa y profesional que lo han conducido al hastío.

El cumplimiento de una promesa al amor que lo abandona da pie a la inclusión de la cuota explícita de ciencia-ficción, a través del homenaje a 2001, una odisea del espacio. Con música clásica incluida: en realidad, un simple derroche de escenografía que no casa ni aporta nada al huero meollo de la historia, si acaso agranda la vacuidad, al llevar a un nivel “cósmico” el sentimiento amoroso.

La insistencia en la inevitabilidad del fluir temporal, con la ontológica y física incapacidad para revertir las horas y sus consecuencias, es el otro pilar científicamente divulgativo en que quiere sustentarse el guión, imbricándolo dentro del obsesivo cuestionamiento de la delgada línea que separa la realidad de la ficción, apostando, descaradamente, por el efecto balsámico, terapéutico (y lenitivo, en este caso) de la fantasía sobre la insoportable realidad. A saber, se muestra la autosatisfacción y el narcisismo propio de todo creador, su ubicuo poder para rellenar todos los espacios y tiempos como a su imaginación le venga en gana.

De ahí que Nemo Nobody no explicite, a través de sus reiteradas narraciones analépticas, cuáles corresponden a la “verdad” y cuáles son producto de su fantasía.

Desde la perspectiva posmoderna elegida por el director, tal disyunción no es excluyente, sino incluyente: son sinónimas. Desgraciadamente, el dilema se plantea incorrectamente por su parte, ya que tanto la verdad como la fantasía devienen falsas, insustanciales, ampulosamente llenas de nada. Eso sí, arteras, cual las mañas de Ulises-Nemo para conseguir escapar del cíclope Polifemo.

Seminci, con Méndez-Leite, presenta su cartelaria

23 – 30 octubre
Valladolid, Castilla y León
http://www.seminci.es/

La Seminci presenta imagen propia para dos secciones emblemáticas del festival: `Punto de encuentro´ y `Tiempo de historia´.

“La imagen de Punto de encuentro, sección que exhibe fundamentalmente primeras y segundas películas, será el cartel realizado por la pintora catalana afincada en Sevilla, Marta Corcho”. Con el título Adicción cinematográfica, la autora “pone de relieve su gran amor por el cine y su técnica de trabajo, una mezcla de arte pop y mucho glamour”.

“La sección documental Tiempo de Historia se presentará con un cartel elaborado por el estudio vallisoletano Daza Diseño & Comunicación (dDc), con el lema Otra forma de ver el cine”.






Asimismo, la Seminci aprovechó la ocasión para anunciar la incorporación a su comité de selección del crítico y realizador Fernando Méndez-Leite.

Entrevista a Fernando Méndez-Leite,
hecha por Adolfo Bellido
en septiembre 2009

Crítica Bright Star

Oda al amor romántico   1  2  3  4  5

Escribe Lucía Solaz Frasquet

 

La neozelandesa Jane Campion comenzó su carrera con un buen número de excelentes películas justamente galardonadas. Su primer largometraje, Sweetie (1989), recogió varios premios internacionales; Un ángel en mi mesa (An Angel At My Table, 1990), basada en la vida de la escritora neozelandesa Janet Frame, recibió entre otros el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia. Con El piano (The Piano, 1993), que reunió más de treinta premios, Campion fue la primera mujer en ganar la Palma de Oro en Cannes.

Después vinieron una serie de películas francamente decepcionantes, desde la adaptación de la novela de Henry James Retrato de una dama (The Portrait of a Lady, 1996) pasando por Holy Smoke (1999) y En carne viva (In the Cut, 2003). Es un placer poder afirmar que Bright Star, nominada a la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes, nos devuelve a la cineasta en su mejor forma.

En 1819 el poeta romántico John Keats compuso el poema de amor Bright Star para su vecina de dieciocho años Fanny Brawne. Esta es la historia de su relación. Que nadie espere acción o efectos especiales.

Alcances: selección filmes

9 – 18 septiembre
Cádiz
www.alcances.org

Alcances, Muestra Cinematográfica del Atlántico de Cádiz, presenta los documentales seleccionados para participar en su 42 edición. De entre un total de 204 filmes (35 más que el año pasado), optan a las secciones Oficial (exclusiva para producción española), Andaluces y Sociales los siguientes títulos:


SECCIÓN OFICIAL

Largometrajes

• To shoot an Elephant / Disparar a un elefante, de Alberto Arce (Documental con Fondos Sociales)
• Cuchillo de Palo, de Renate Costa (Doc. con F.S.)
• Banaras me, de David Varela
• Manuel Rubio Sánchez, de José L. Sánchez Maldonado
• Holidays, de Víctor Moreno
• American Greyhounds, de Mario Aranguren y Héctor Muniente (Doc. con F.S.)
• Fake orgasm / Falso orgasmo, de Jo Sol (Doc. con F.S.)

Holidays, de V. Moreno

Mediometrajes

• Zindabad!, de Guillermo Fernández, Flórez y Paul-Antoine Lamelle (Doc. con F.S.)
• Lugar y sociedad, de Julián Franco Lorenzana (Doc. con F.S.)
• A volar, de Pepa Álvarez (Doc. con F.S.)
• En las calles sin nombre, de Jorge Peña (Doc. con F.S.)
• Despacio, de José Camello Manzano
• Viaje hacia ti mismo. Dámaso , de Miguel G. Morales
• Museo, de Chus Domínguez
• Paquita y todo lo demás, de David Moncasi (Doc. con F.S.)


Cortometrajes

• Historias de la aceituna, de Víctor García (Doc. con F.S.)
• Inmersión, de Neús Ballús
• Dos encuentros de ultratumba, de Ander Duque
• Mapas migrantes, de David Batlle (Doc. con F.S.)
• Espectros, de Juan López López (Doc. con F.S.)
• Siriman, de Joseph Gordillo (Doc. con F.S.)
• La presa, de Jorge Rivero (Doc. con F.S.)
• Dirty Martín, de Iban del Campo (Doc. con F.S.)
• Una cuchara en el bolsillo, de Mireia Ibars
• Pali al compás de la tierra, de Juan Miguel del Castillo
• La edad del sol, de Silvia Subirós
• Mère, de Florencia P. Marano (Doc. con F.S.)
• Me llamo Roberto Delgado, de Javier Loarte (Doc. con F.S.)
• Espacio simétrico, de Virginia García del Pino
• Autocasting, de José Luis Soto Ruvalcaba
• Il posto, de Alfonso Cicarese (Doc. con F.S.)
• Hambre-Hachís, de Enrique Bocanegra (Doc. con F.S.)
• Capicúa, de Roger Villarroya (Doc. con F.S.)



ANDALUCES

Largometrajes: Manuel Rubio Sánchez

Mediometrajes: A volar, En las calles sin nombre

Cortometrajes: Espectros, Pali, al compass de la tierra

Málaga: concurso carteles

www.festivaldemalaga.com

Convocatoria para la creación del cartel oficial del 14º Festival de Málaga. Cine Español, que tendrá lugar la primavera del 2011.

Bases (resumidas):

• Podrán optar a concurso los artistas españoles o residentes en la C.E.E., presentando un máximo de 3 obras.
• Los carteles, entregados sobre cartón pluma de dimensiones 50 x 70 cm., deben incluir la leyenda: “14 FESTIVAL DE MÁLAGA. CINE ESPAÑOL”.
• De realización libre, su reproducción será en cuatricomía (por tanto, se excluyen tintas de color oro, plata y fosforescentes).

Plazo límite de recepción: 1 septiembre 2010.
Premio único: 3.000 € al autor del cartel.
Jurado constituido por personas relacionadas con el arte, el diseño y la publicidad; y vinculadas a los órganos de dirección del Festival.
Más información: cartel14edicion@festivaldemalaga.com

Cinema Jove: 25 aniversario (III)

Un festival de cine. Al encuentro con su historia

Por Adolfo Bellido López

Hacía los grandes horizontes

Aprendiendo a caminar

Como ha quedado dicho en la entrega anterior, Sillas irreparables fue la primera película (rodada en super 8) premiada en aquellos encuentros escolares, aquel inicio de Cinema Jove.

Sillas irreparables era una producción de la escuela municipal de cine de Puzol, que desde hacía poco venía dirigiendo en solitario Sabín. Un grupo de chicos/as (unos cuarenta) de aquella localidad venía participando con sus producciones, y recibiendo diversos premios, en el festival de cine infantil y juvenil de Gijón. Años atrás habían presentado películas en asociación con alumnos del cineclub COUL de Cheste, pero mi marcha de ese complejo educativo al C.E.P. (Centro de Profesores) de Valencia llevó a ir cerrando (allí) las actividades audiovisuales, que sirvieron de modelo imitativo a otros centros o entidades tanto de la Comunidad como de fuera de ella.

Cuando se inicia Cinema Jove, el alumnado que me había ayudado en los últimos años para desarrollar con eficacia la labor en el complejo educativo, tampoco se encuentra en Cheste, Sabín, quién desde los tiempos de estudiante ha sido mi mano derecha, está a tope de trabajo en Puzol, primero con ese invento de la escuela, luego con la televisión municipal que pone en funcionamiento. En Cheste sólo queda Rafa González, un director de colegio, que asumió diversas funciones dentro del cineclub sobre todo a nivel administrativo y que ahora, a pesar de su buena voluntad, poco puede hacer por mantener el ritmo de los viejos tiempos.

Crítica London River

Repoblación forestal y social    1  2  3  4  5

Escribe Ángel Vallejo

El estreno con cierto retraso del cuarto largometraje de Rachid Bouchareb, realizador medianamente conocido en España por su reciente Days of glory, parece haber sido puesto en pantalla como una especie de anticipo de la que será su nueva película, Fuera de la ley, que provocó gran controversia política en Francia a raíz de su proyección en Cannes.

Fiel a su estilo reivindicativo, esta suerte de Ken Loach argelino narra la historia de dos familiares de supuestos desaparecidos en los atentados de Londres de 2005, desde una perspectiva pretendidamente intimista y emotiva, pero lejos de toda inocencia o neutralidad política. No, no es que Bouchareb justifique en ningún caso semejante acto de barbarie… lo que sucede es que se las apaña para arrimar el ascua a su sardina y con la excusa de aquellos sucesos, traza un retrato de la inmigración británica que no tendría por qué ser especialmente simplista y bucólica de no ser porque lo enfrenta a una caricatura de la sociedad británica que quizá sea la que no haga justicia.

Sevilla (5 – 13 nov.): presentación del cartel

10º Sevilla Festival de Cine Europeo

5 – 13 noviembre

Sevilla, Andalucía

www.festivaldesevilla.com

El Festival de Sevilla ha presentado su cartel oficial. Realizado por encargo al director y artista plástico Peter Greenaway, el galés “ha explicado que “nuestro cine está muriendo” por ello el cartel representa “la metamorfosis que está sufriendo el cine en la actualidad” para ello ha usado una pantalla sobre un pedestal porque, según el artista “cine y arte están omnipresentes en nuestras vidas” y la idea del grafismo es que “los objetos y las ideas no sólo salen de la pantalla sino que también regresan a ella” también ha asegurado que “todos somos cineastas en potencia” y que “interactividad y multimedia serán las claves del nuevo cine””.

Inscripción de películas:
hasta 25 septiembre
(PDFs: Reglamento e Inscripción)

Sitges (7 – 17 oct., BCN): Anticipo programación

43º Sitges

Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña

7 – 17 octubre

Barcelona, Cataluña

http://sitgesfilmfestival.com

Sitges celebra los 30 años de El resplandor (1980), “una de las pocas películas de terror de carácter clásico indiscutible que se mantiene con el paso del tiempo”, dedicando el cartel oficial al clásico de Kubrick. Asimismo, el festival también recordará los 25 años de Regreso al futuro, de Robert Zemeckis, y los 50 años desde que Hitchcock realizara Psicosis; además de rendir un tributo al recientemente desaparecido Paul Naschy, sobre el que se proyectará el documental El hombre que vio llorar a Frankenstein.

La inauguración del festival correrá a cargo de Los ojos de Julia, coproducida por Rodar y Rodar, Guillermo del Toro, Universal Internacional, Antena 3 Films y TVC. Asimismo, la Sección Oficial Fantàstic se abrirá con Let Me In, la versión made in USA de la maravilla sueca Déjame entrar.

Otros contenidos avanzados son:

Sección Oficial Fantàstic

• Outrage, de Takeshi Kitano
• A woman, a gun and a noodle shop, de Yimou Zhang
• The new daughter, de Luiso Berdejo
• A Serbian film, de Srdjan Spasojevic
• Easy Money, de Daniel Espinosa
• Dream Home, de Pang Ho-cheung
• Kosmos, de Reha Erdem
• The Last Exorcism, de Daniel Stamm
• Kaboom, de Gregg Araki
• Rubber, de Quentin Dupieux
• Somos lo que hay, de Jorge Michel Grau
• La casa muda, de Gustavo Hernández
• Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, de Apichatpong Weerasethakul
• Let me in, de Matt Reeves
• Agnosia, de Eugenio Mira
• 14 Days with Víctor, de Román Parrado

Anima´t
Sección que esta edición se centrará en la animación japonesa, programando el éxito de este año en la capital nipona: Welcome to the Space Show, de Koji Masunari


Sección Casa Asia
Tomará las artes marciales como foco de atención, destacando la producción de Hong Kong y de China, que incluirá Ip Man 2, de Wilson Yip, segunda parte del filme ganador en la pasada edición; y la nueva cinematografía de Vietnam, de la que se proyectará su primera producción sobre esta temática: Clash, de Le Thanh Son.


Noves Visions (subsecciónes: Ficción, No Ficción y Discovery):

• Catfish, de Ariel Schulman, Henry Joost
• Trash Humpers, de Harmony Korine
• Finisterrae, de Sergio Caballero
• The People vs. George Lucas, de Alexandre O. Philippe
• La bocca del lupo, de Pietro Marcello
• Vampires, de Vicent Lannoo
• Tony, de Gerard Johnson
• Sound of Noise, de Johannes Stjärne Nilsson y Ola Simonsson
• Red, White and Blue, de Simon Rumley
• La Doppia Ora, de Giuseppe Capotondi
• Strayed, de Akan Satayev

Midnight X-Treme
Sección que incluye el cine más extreme y gore. En ella, además de los maratones Mondo Macabro, La noche más zombie y Japan Madness, se podrán ver:

• Slice, de Kongkiat Khomsiri
• Primal, de Josh Reed
• The Violent Kind, de The Butchers Brothers
• Norweigan Ninja, de Thomas Cappelen Malling

Seven Chances
Sección programada a partir de la elección de siete críticos que, entre otras, han elegido siete películas “de valor indiscutible”, como L´Enfer de Henri-Georges Clouzot, de Serge Bromberg y Ruxandra Medrea.


Els altres fantàstics
Sección retrospectiva destinada a revisar producciones españolas y catalanas que reivindican el cine de “género atípico”. Tal es el caso de Pedro Olea, de quien se estrenará la nueva copia hecha por la Filmoteca Española de El bosque del lobo.


Cinema en 3D, que incluirá la producción española O Apóstolo, de Fernando Cortizo. Cine y Tiempo, ciclo que recoge películas europeas con una perspetiva art house. Y continuará el espacio alternativo Brigadoon, que incluye filmes gore, kitsch y underground.

Los ojos de Julia, de Guillem Morales

estreno 29 de octubre
www.losojosdejulia.es

Cinema Jove: 25 aniversario (II)

Un festival de cine. Al encuentro con su historia

Por Adolfo Bellido López

En el umbral de la vida

Retorno al pasado

Faltaban escasamente veinte años para llegar al año 2000, en España habían pasado muchas cosas en poco más de diez años. Murió el dictador (¿era lo que presagiaba el final de Canciones para después de una guerra con la canción Se va el caimán…?). Aparentemente todo era maravilloso después de unos años en los que España entera había vivido con un nudo en la garganta. La (elemental, ligh) transición (menos mal que fue ligh), siguiendo el esquema de los últimos años de la dictadura fue excesivamente dura. La extrema derecha, la extrema izquierda junto a los vigilantes de la Patria fueron protagonistas de hechos violentos, conspiraciones, asonadas militares… Se secuestró, asesinó a personas civiles y militares, se cometieron múltiples atentados, se había intentado enjaular a los representantes del pueblo… Era lo negativo, claro, pero también existieron cosas positivas. La principal que, al fin, teníamos libertad de reunión, de pensamiento. No había libros, ni películas prohibidas, al contrario recuperábamos aquellas que años atrás nos habían sido hurtadas. Eso si, grupos integristas seguían exigiendo que pensáramos como ellos deseaban. Se consideraban los salvadores de no se sabe bien qué. Bastaba verles rogando por nosotros, o impidiendo nuestra entrada en ciertas películas que pensaban solo ellos podían ver.

Con el triunfo socialista de 1982 las cosas parecieron calmarse. El pueblo iba cambiando (¿haciendo más adultos?), aunque los extremos (ni siquiera las dos Españas) seguían sin desaparecer. Su sistema de lucha o resistencia tampoco. Realmente eran los herederos directos de la dictadura, los más intransigente, los que pactaban con la Iglesia (con mayúsculas, claro, pues se se reafirmaban, con descaro, en que la suya era la única y verdadera), los que desde entonces (y siguen en ello) se oponen a todo lo que no les gusta confundiendo la ley civil con sus implicaciones religiosas. Los que, se manifestaran contra el divorcio (aunque luego se apuntarán a ello sin rubor), contra el aborto (obviando que entre ellos se encuentran más de uno de los que fueron a abortar, en tiempos idos, al extranjero). Se denominaban la mayoría, jaleados por la prensa de la derecha más recalcitrante, afirmando ser más uno o dos millones de personas los que, pongamos por ejemplo, en Madrid claman contra tal proyecto de un gobierno de izquierdas (bueno, naturalmente de una izquierda ligh) sin tener en cuenta que ese número tan excesivo de personas es superior, por ejemplo, al que se contabilizan en la tercera ciudad de España, en Valencia. Da igual todo cabe…

Crítica Io, Don Giovanni

Siempre nos quedará Mozart 1 2 3 4 5
Escribe Marcial Moreno

No es fácil trasladar la ópera al cine. Algunos de los maestros más reconocidos (Bergman, Losey...) lo han intentado con un resultado que no sobrepasado nunca la discreción. Cuando la dificultad se reconoce y asume la tarea se limita a poner la cámara frente al escenario y transmitirnos lo que allí ocurre. No se trata entonces de cine sino de ópera filmada. La cámara equivale al ojo del espectador que ocupa la butaca, diluyéndose la tarea cinematográfica en favor del lenguaje y los límites que el espacio teatral impone.

Carlos Saura afronta la dificultad e intenta fusionar de manera original ambos medios. Su repaso a los distintos géneros musicales y su traslado al cine (en unos casos con más fortuna, en otros con no tanta) le abocaba de manera casi ineludible a la ópera como destino final de su recorrido. Recientemente ya había tenido la oportunidad de entrar en contacto con ella a través de la puesta en escena que realizó de Carmen para el Palau de les Arts de Valencia. Ahí ya se vio que el dominio del espacio cinematográfico no garantiza que se vaya a dominar también el escenario. Queriendo utilizar la fórmula repetida en sus películas de paneles luminosos que crean atmósferas desnudas, irreales, pero al mismo tiempo cálidas, la ausencia de la cámara que selecciona y encuadra convertía la escena en un tumulto abigarrado, artificioso y, en definitiva, fallido.

La opción con Don Giovanni es diferente. Pretende contarnos la vida de Lorenzo Da Ponte, el libretista de Mozart, como trasunto real de lo que en la ópera acontece. Conceptualmente sería algo así como mostrar la conexión del discurso operístico con la realidad, mostrar su reverso para salvar la supuesta brecha que lo separa del contexto en el que ocurre. Como cualquier otra expresión artística la ópera sería también expresión de su época. Un primer paso hace una ópera popular.

Desde esta premisa el trabajo de Saura es, por una parte, seleccionar aquello pasajes más significativos (más conocidos diríamos) de la obra de Mozart y por otra forzar la biografía de Da Ponte para establecer el paralelismo entre ambas.

Dos riesgos amenazar este planteamiento, y a ambos sucumbe el director. El primero construir un personaje al que no se le otorga vida propia, sino que viene diseñado por un planteamiento previo y externo que lo atenaza y desdibuja. Por mucho que se empeñe Saura, Da Ponte no es Don Giovanni, y aunque se apoye a veces en Casanova para completar su figura el resultado es un protagonista sin identidad definida, una especie de espectro que deambula por la pantalla sin despertar el menor interés. Como justa correspondencia Don Giovanni también se ve afectado por este paralelismo. Asimilarlo a Da Ponte (al Da Ponte que Saura nos muestra) equivale a hurtarle parte de la vertiente canalla que en la ópera posee, incluso su dimensión fatalista, la cual no puede ser salvada simplemente con repetir una o dos frases que lo proclaman cuando al mismo tiempo se nos está obligando a identificarlo con el insulso libretista.

El resto del elenco resulta tan prescindible como todo lo demás. Las disputas entre divas operísticas, los amores de quita y pon o las intrigas palaciegas, amén del recurrente tópico vertido sobre el personaje de Mozart, no logran despertar el más mínimo interés, no consiguen vencer la barrera del tedio.

La aclamada puesta en escena (fotografía de Storaro incluida) también resulta cuanto menos discutible. En aras de la identificación entre ópera y realidad Saura hace un diseño muy teatral de la historia de Da Ponte, Mozart, Salieri y compañía. Es como sí la ópera absorbiera no sólo las mentes sino la vida los espacios de estos personajes, como si nos diera a entender que su existencia misma es una función operística, situándolos así en un marco de cartón-piedra con tintes marcadamente artificiales. Con ello se consigue, concedámoslo, esa identificación, pero al mismo tiempo se redunda en el descarnamiento de la historia que se nos cuenta, en el empobrecimiento de los personajes, en la distancia entre estos y la realidad. Por tanto el punto de partida, la conexión entre la ópera y la vida, queda devaluado a fuerza de masacrar a esta última.

No es fácil trasladar la ópera al cine, y esta película lo confirma. Tanto que al final su atractivo se limita a esperar el aria siguiente. Pero para eso mucho mejor un disco. Y con mucha más continuidad.

Los audiovisuales en la educación

Presentación del libro La creación audiovisual integra las diferencias

Por Purilia

El pasado 25 de junio de 2010, se presentó en el Centro Cultural Federico García Lorca de Getafe (Madrid), el libro La creación audiovisual integra las diferencias, una publicación didáctica, coordinada por Milagros López Morales, subvencionada por el Ministerio de Educación (Programa ARCE) y realizada conjuntamente por los centros IES Carpe Diem de Getafe (Madrid), IES Pérez Comendador de Plasencia (Cáceres) e IES Castelao de Vigo (Pontevedra).

El ideario del proyecto se cimenta en la utilización de los medios audiovisuales como recurso integrador de todo tipo de diferencias (curriculares, sociales, culturales, intelectuales, lingüísticas, de género…) y en la capacidad del lenguaje audiovisual y multimedia para establecer vías de comunicación (profesor–alumno) fluidas y consensuadas, idóneas para compartir ideas, inquietudes y perspectivas diferentes, a través de la práctica conjunta y la mutua colaboración.

Todos los participantes han trabajado con ilusión, interés y perseverancia, en una dirección común, que se ha materializado en tres cursos de cooperación, intercambio y reflexión conjunta, dividido en dos etapas de trabajo con distinta idiosincrasia. Una primera (dos años), de experimentación y realización de creaciones audiovisuales y multimedia (anuncios, películas, blogs, presentaciones audiovisuales, etc.) entre profesores, alumnos y otros sectores educativos; y una segunda (un año) de recopilación y elaboración de materiales y recursos didácticos, que ahora se materializa en esta publicación.

Cada actividad práctica elaborada se concreta en el libro en un artículo cuyo contenido está inspirado directamente en los trabajos realizados. En ellos, se explica el planteamiento didáctico que acompañó a la realización de cada producto audiovisual, el contexto en que surgió, la motivación que la sustentó, los objetivos propuestos y los resultados conseguidos, así como la aportación de materiales (guiones, dibujos, fichas, cuestionarios…) y recursos (documentales, metodológicos, informáticos…) que creemos pueden ser de utilidad para entender su proceso de creación, facilitar su aplicación didáctica y orientar a otros miembros de la comunidad educativa a emprender tareas similares.

El texto recoge, además de las actividades creativas, todas aquellas experiencias (personales, profesionales, intelectuales, culturales…) de cooperación y aprendizaje (conferencias, proyecciones, encuentros…) compartidas por los participantes, colaboradores y amigos del proyecto.

La publicación cuenta, también, con sendas aportaciones de dos profesores, escritores y expertos en medios audiovisuales y educación, que invitan a la reflexión sobre la relación entre nuevas tecnologías y escuela: Adolfo Bellido López y Angel San Martín, a los que agradecemos su colaboración desinteresada.

Calificaciones Encadenados: julio (2 / 3)

Cinema Jove: 25 aniversario (I)

Un festival de cine. Al encuentro con su historia

Por Adolfo Bellido López

Inicio una serie de escritos, tal como prometí, referidos al acta fundacional de Cinema Jove, así como a la ciudad que lo acogió, a sus vaivenes a lo largo de los 18 años que estuve coordinando el apartado escolar (los primeros 18 de los veinticinco de su existencia), al tiempo que hablaré del desarrollo actual (tanto del general como del apartado escolar). Todo ello, claro, desde mi punto de vista. Manos a la obra, pues, Se enciende el proyector la primera de las películas comienza a hacerse realidad.

Un libro. La (relativa) crónica escrita

Entrando en harina

Hace días, bastantes, que acabo la 25 edición del festival (de cine) Cinema Jove que tiene lugar en la ciudad de Valencia (España) en la segunda quincena de junio desde casi sus orígenes (la única excepción probablemente fue el año que inicio su andadura). Durante su celebración analicé (ante todo) en este blog los largometrajes (nueve en total) que se presentaron a la sección oficial del festival. También Luis Tormo subió al blog hace poco un interesante análisis sobre la retrospectiva–homenaje a Mateo Garrone, el director de la conocida Gomorra. Antes de que (realizase) esta película se estrenase en España, Garrone había presentado varias anteriores (al menos tres de sus largometrajes) en Cinema Jove. No sólo participaron en la sección oficial, también (algunas) recibieron premios.

Prometí al escribir diversas crónicas sobre C. J. 25 edición, que volvería, con calma, sin prisas, sobre el certamen, pero más que para comentar la última edición (aunque también) para centrarme en su historia, esa de la que participé, formé parte, a lo largo de los primeros 18 años de existencia del festival. He decidirlo hacerlo aún sabiendo que sobre mi va caer más de un rayo. Peor para quién los lance. Por mi parte no lo hago ni considerándome el gran maestre de la verdad, ni como ejercicio de complacencia o egocentrismo sino simplemente con el ánimo de aclarar algunos acontecimientos que no parecen nada claros a raíz del libro que se publicó por el festival, en colaboración con la filmoteca valenciana (http://www.ivac-lafilmoteca.es/pagina.asp), con motivo de la (casi inexistente) celebración, proclamación de sus 25 años de sol y de sombra.

Apoyo financiero del 12º WCF

El pasado 4 de julio la World Cinema Fund (WCF), iniciativa del Festival de Cine de Berlín (www.berlinale.de) y del German Federal Cultural Foundation, además de contar con la cooperación del Instituto Goethe (www.goethe.de/ins/es), hizo públicas las tres películas que recibirán el apoyo económico de lo que es ya su 12ª sesión. Destina a apoyar la financiación de producciones cinematográficas de América Latina, África, Oriente Medio, Asia Central, Asia Surorienta y el Cáucaso, la WCF ha repartido un montante total de 130.000 € entre los tres títulos, elegidos por jurado entre 110 propuestas recibidas. Las seleccionadas han sido:


Death for sale, del marroquí Faouzi Bensaïdi. Coproducción en desarrollo con apoyo financiero belga, francés y marroquí. Dotación de fondos del WCF: 30.000 €

Filmografía del director:

• WWW: What a wonderful World (Francia / Marruecos / Alemania, 2006, 99´)

• Mille mois / A thousand months (Francia / Bélgica / Marruecos, 2000, 124´)

• Le mur (Francia, 2000, 10´)

• Trajets / The rain line (Marruecos, 2000, 25´)

• La falaise / The cliff (Francia / Marruecos, 1997, 18´)

Productora Gloria Films
www.gloriafilms.fr

W.W.W.

(subtítulos en en castellano)

El premio, de la argentina Paula Markovitch. Coproducción en desarrollo con apoyo financiero mexicano, argentino y francés. Dotación de fondos del WCF: 50.000 €

Filmografía de la directora:

• Música de ambulancia (México, 2006, 13´)

• Perriférico (México, 1999, 15´)

Coguionista en Lago Tahoe (2008) y Temporada de patos (2004), ambas de Fernando Eimbcke.

Productora Kung Works

Lago Tahoe, de F. Eimbcke

Alaverdy / I´m going to change my name, de la armenia Maria Saakyan. Coproducción en desarrollo con apoyo financiero armenio, francés y georgiano. Dotación de fondos del WCF: 50.000 €

Filmografía de la directora:

• Mayak / the lighthouse (Rusia / Armenia, 2006, 78´)

• Proshanie / The farewell (Armenia / Rusia, 2003, 27´)

• Novaya Zemlya / Terra Nova (Rusia, 2008, 120´)

• Igra (Rusia, 2000, 10´)

Productora Anniko Films
www.annikofilms.am

Alaverdy

Campeoooones!!!!

Medalla de Oro a `La Sardà´

“Rosa María Sardá ha sido reconocida con la Medalla de Oro que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (web) otorga anualmente a un miembro del sector cinematográfico patrio. En la reunión de este miércoles, la Junta Directiva de esta institución decidió conceder este trofeo a la actriz y comunicadora catalana.
[…]
‘La Sardà’ (Barcelona, 1941) comenzó como actriz cómica, registro que en los últimos años ha combinado con el de intérprete dramática en castellano y en catalán. Propietaria de numerosos premios (tiene dos Goya como Mejor Actriz de Reparto por Sin vergüenza y ¿Por qué le llaman amor cuando quieren decir sexo? y un Fotogramas de Plata de 2003 por la obra teatral Wit), está considerada una de las mejores profesionales de España. Actriz vocacional pero tardía, comenzó en los 70 en el teatro, que le abrió las puertas de una larga carrera cinematográfica a las órdenes de directores como Fernando Trueba, Colomo, Ventura Pons, García Sánchez o Almodóvar. Tampoco la televisión se ha resistido a la actriz de Moros y cristianos, La niña de tus ojos, Anita no pierde el tren, A mi madre le gustan las mujeres, Caricias o Rivales, que fue presentadora de Vídeos de primera y Ahí te quiero ver, y actuó en la serie de TVE Abuela de verano”.

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El cine de Matteo Garrone: Cinema Jove (VLC/5)

Una mirada pesimista

En esta edición de Cinema Jove, que celebra sus 25 años de existencia, la figura homenajeada es Matteo Garrone. El director italiano, nacido en Roma en 1968, es un viejo conocido de este certamen pues parte de su filmografía se ha proyectado en este festival. Ospiti, L’imbalsamatore o Primo amore son algunas películas que hemos podido ver en Valencia.

Sin embargo, el nombre de Garrone es conocido internacionalmente debido a Gomorra (2008), su último filme rodado hasta el momento. Esta difusión masiva tuvo más de sociológico que de cinematográfico pues la repercusión fue motivada por el revuelo que causó todo el asunto de la vendetta lanzada por la mafia contra el escritor Roberto Saviano, autor de la novela en que se basó el proyecto cinematográfico. Gomorra se convirtió en un gran éxito aupada por sus numerosos premios en distintos festivales, el tono mayoritariamente satisfactorio de la crítica y unos excelentes resultados en la taquilla.

Personalmente la Gomorra traspasada a imágenes me resulto decepcionante en comparación con el original literario. La obra de Saviano, con su mezcla de relato novelado e investigación periodística que abruma por su capacidad de síntesis partiendo de un gran número de datos y referencias, resulta difícil de concretar en imágenes y la elección de unas pocas historias no consigue un resultado óptimo. Pero en cualquier caso, la retrospectiva de Garrone, que nos ha permitido ver toda su obra en sentido cronológico, sirve para situar y enmarcar mejor Gomorra. Ahora se entiende como un paso lógico que el director de Primo amore se involucrará en la realización de este filme pues Gomorra reúne todos los elementos que han ido apareciendo en la filmografía del director italiano.

Estos elementos o características que vamos encontrando en sus películas se pueden resumir en tres apartados:

1) Fracaso y pesimismo

Los personajes que pueblan la filmografía de Garrone son seres que desde el inicio destilan el sabor la derrota, hombres y mujeres que están en permanente conflicto con todos los aspectos de su vida. Tienen problemas para sobrevivir en una sociedad que les ignora y que sigue su camino con inusitada incercia mientras ellos permanecen anclados en sus miserias. Gomorra, asentada en la realidad y desprovista del halo romántico que aparecen en otros filmes de esta categoría, muestra una serie de personajes que luchan por emerger en un entorno lamentable, no hay lujo, grandes casas o ganancias. Pero este esquema no es original de este filme, se rastrea en las anteriores películas, los personajes vienen del mundo de la emigración (Terra di mezzo, Ospiti), no tienen medios para ganarse la vida (Estate romana, L’imbalsamatore, Gomorra) y fracasan en todo aquello que llevan adelante pero no por su culpa sino porque ya han sido condenados de antemano.

Los personajes de Garrone, además, constituyen un submundo donde los rasgos físicos sirven para remarcar y acrecentar su diferencia con la normalidad existente. En L’imbalsamatore, el personaje principal bajito y feo es el contrapunto a la pareja que conforma el trío protagonista, en Gomorra, Ospiti o Primo amore, no encontramos el tipo de belleza que la sociedad considera como estándar, sino todo lo contrario. En cierto modo, Garrone utiliza la presencia física de sus personajes de un modo similar a como lo hacían Fellini o Pasolini.

2 ) Introspección

Muy unido al fracaso, los personajes muestran su mundo interior. Son seres encerrados en sí mismos, se adivina un dolor que marca sus acciones. En L’imbalsamatore el protagonista parece desinhibido, no para de hablar, pero en realidad está solo, en Terra di mezzo o Ospiti son extranjeros con dificultad para expresarse, en Primo amore el personaje masculino muestra con los gestos y la mirada más que con el diálogo. Muchos de estos personajes tiene problemas psicológicos que dificultan aún más a normalidad de sus relaciones (Estate romana, Primo amore). Es por ello que pese a ser filmes con mucho diálogo, existen también largos momentos de silencio que se rellenan con el sonido ambiente de la calle, de los paisajes por donde se mueven los personajes.

3) Estilo documental, paisajes desolados.

Y es que gran parte del metraje del director italiano tiene un aire documental o semidocumental que viene propiciado incluso por la elección de actores desconocidos o semiprofesionales. La cámara está atenta al movimiento de los protagonistas pero también a todo el paisaje que los rodea. La ciudad, los barrios, las playas, los edificios se constituyen en personajes principales. Este aspecto se veía bien en Gomorra, que funciona como un contenedor del estilo periodístico que sustentaba la novela original de Saviano, pero también se reflejaba en todo su anterior cine. De hecho, Garrone rodó dos mediometrajes documentales: Bienvenido espirito santo (1997) y Oreste Pipolo, fotografo di matrimoni (1998), y este carácter documental es le que persiste en su cine de ficción.

Es por ello que uno de los elementos técnicos empleados con mayor frecuencia por Garrone son las panorámicas y los travellings sobre el paisaje y los personajes. Es una forma de fijar la atención en el entorno, este paisaje es además el lugar donde los personajes reflexionan. La playa y el mar aparecen constantemente en su cine, y ahí los protagonistas hacen balance de su situación. Pero no son paisajes agradables. Estamos en ciudades y lugares espléndidos pero Garrone se centra en los suburbios, en paisajes industriales con esqueletos de fincas, fábricas, playas grises, bloques de viviendas anónimas. El extrarradio de las grandes urbes, el ambiente portuario y las viejas casas de Gomorra ya aparecían en su filmografía pues sus personajes se mueven en ese terreno.

Estos tres elementos, que se repiten con frecuencia en el cine de Garrone, conforman un entramado que sirve para establecer un corpus autoral, con el que se puede estar de acuerdo o no, pero que es innegable que está ahí y que se hace patente cuando se accede a las diferentes obras que componen su filmografía de una manera ordenada. También están presentes en su cine algunos aspectos que lastran esas mismas películas y que tienen que ver básicamente con un escaso tratamiento en el guión de los personajes principales. Hablando de los elementos comunes nos hemos referido anteriormente a la introspección de unos personajes que arrastran dolor, fracaso y complejidad a partes iguales, pero los guiones de Garrone se centran más en mostrar esa complejidad y no tanto en explicar el porqué de esa situación, con lo que es frecuente que el acercamiento a su cine produzca cierta sensación de experiencia incompleta. Viendo L’imbalsamatore, por ejemplo, el personaje femenino adolece de consistencia, tiene que aparecer para conformar uno de los vértices del triángulo pero su coherencia es mínima y muy forzada. Tampoco se acaba de entender la sumisión de algunos de estos personajes como la mujer de Primo amore o los problemas que giran alrededor de los protagonistas de Estate romana. A esto se añade que salvo algún filme como L’imbalsamatore o Primo amore, las historias de Garrone no tienen un principio y un final, la película capta un momento, un fragmento de tiempo, lo cual hace que si la historia no está bien hilvanada se acrecienta esa idea de inconsistencia, parece que no se terminan de cerrar los diferentes temas que aparecen y ese es un problema que se repite en parte de su filmografía.

Pero como decíamos el año pasado con ocasión de la retrospectiva que se le dedicó a la cineasta argentina Albertina Carri, hay que destacar la importancia de poder tener acceso a una parte significativa de la filmografía de un autor pues ayuda a establecer y definir las características propias de una temática que en este caso se centra en esas personas marginales que se encuentran alrededor de la sociedad normalmente establecida.

31º Mostra de Valencia (15 – 23 oct.): Concretando contenidos

31ª Mostra de Valencia

Festival de Cine de Acción y Aventura

15 – 23 octubre
www.mostravalencia.com

La Mostra de Valencia, bajo la dirección de Salomón Castiel, ha presentado esta semana un anticipo de la programación de la próxima edición. La 31ª, que estará marcada por un brusco giro en su línea de contenidos. Tras firmar convenios con un canal de televisión nacional y una multinacional de la distribución (con parque temático incluido), la Mostra enfoca su futuro hacia el cine de acción, de aventuras y el cómic. Así, para su próxima edición, la organización destaca:

Retrospectiva: dedicada al director norteamericano John McTiernan, que incluirá títulos como La jungla de cristal, Depredador, Rollerball, El caso de Thomas Crown o El último gran héroe. Asimismo, “la Mostra también está preparando un ciclo en colaboración con la Filmoteca de la Generalitat (IVAC)”.


Mostra Cómic, subsección integrada por un ciclo de cine dedicado a los superhéroes de la Warner, “en el que se proyectarán películas que han tenido como protagonistas a superhéroes de Warner y DC Comics”; un salón de cómic; talleres, cursos y mesas redondas; una exposición conmemorativa del 75 aniversario de DC Comics; y un homenaje al director y animador Peter Lord, que conllevará un ciclo con las películas protagonizadas por Wallace y su inseparable Gromit (www.wallaceandfromit.com).


Ciclo de autor: dedicado a Daniel Monzón. Siguiendo la estela del Festival de Cinema Jove, la Mostra también quiere rendir tributo al director (valenciano de adopción), que despuntando en la realización de grandes producciones internacionales. Por ello, con el fin de revisar su filmografía completa, la Mostra proyectará Desvío al paraíso (1994), dirigida por Gerardo Herrero y con guión de Monzón.


Ciclo Telecinco Cinema: incluirá “las mejores películas producidas por Telecinco Cinema junto con alguna sorpresa inédita”.

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Entrevista a Ana Lorenz

Ana Lorenz Fonfría, Valencia 1977. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la UAB (Universidad Autónoma de Barcelona) y graduada en Dirección Cinematográfica por el CECC (Centre D’Estudis Cinematogràfics de Catalunya).


Filmografía como directora:

Conchín se lo traga, 2010. En postproducción. Codirigido con Abel Zamora.
Videoclip Lovers Ambros Chapel, 2010. En Postproducción. Codirigido con Ricardo Sánchez-Sáez.
Algo queda, 2010.
No dices nada, 2009. Codirigido con Abel Zamora.
Videoclip Fugaz The Pinker Tones, 2008. Codirigido con Celia Galán.
Spot La moneda, 2008.
Inmóvil, 2007. Codirigido con Joan Planas.
De corazón, 2006. Codirigido con Abel Zamora.
24 veces por segundo, 2003.
Amanda, 2003.
No hay insomnio, 2001. Codirigido con Ana Jiménez.


Entrevista realizada por Adolfo Bellido, en Valencia:

Adolfo Bellido — Tienes varios cortos realizados en colaboración ¿Cómo se llevó a cabo ese trabajo compartido?

Ana Lorenz — He codirigido con distintas personas y en cada caso fue diferente. Con quien llevo una trayectoria más larga como codirectora es con Abel Zamora (actor, guionista y dramaturgo). Juntos hemos dirigido 3 cortometrajes hasta la fecha. En un primer momento nuestras labores estaban más divididas: él se dedicaba más a trabajar con los actores y yo me centraba más en la parte técnica y en la planificación. Pero con el tiempo esta mecánica de trabajo ha ido evolucionando. Así en Conchín se lo traga, nuestro último trabajo aún en fase de postproducción, hemos compartido casi a partes iguales todas las labores.

Adolfo — En tus películas has sido además de directora, guionista, montadora… Incluso en Algo queda escribes la letra de la canción. ¿En cuál de esas labores te involucras más?

Ana — Ante todo me considero directora pues todas mis demás actividades giran alrededor de ésta. Si escribo es para poder dirigir y sólo monto el material que he rodado como prolongación del trabajo de dirección. Disfruto mucho tanto de la escritura como del montaje pero no tengo grandes aspiraciones en ninguno de estos dos campos por sí mismos. Definitivamente lo mío es dirigir.

Adolfo — ¿Dirigirías una película que no hubieses escrito? ¿Piensas que de hacerlo dejarías de ser la `autora´ del filme?

Ana — Por supuesto, de hecho los tres cortometrajes que he codirigido junto a Abel Zamora han partido de guiones suyos. De todas formas pienso que es muy difícil encontrar un guión que de entrada te convenza completamente y que refleje la visión personal que, como director, se tiene de la trama, los personajes, del tema. Por eso, considero imprescindible que el director, aunque no escriba el guión, tenga la posibilidad de trabajar con el guionista en una fase final de reescritura, justamente para potenciar esa implicación. De todas formas dirigiendo guiones de otro mis películas no perderían mi sello personal. Hacer un filme supone trabajar en equipo, pero es el realizador quien marca la dirección hacía el punto que desea irse. Es la razón del cine. No supone un problema el que el guión fuese escrito o no escrito por mí. Debo dejar claro que estoy a favor de la autoría pero también de la profesionalización del cine. Hay grandes directores que son excelentes guionistas pero forzar a todos los realizadores a seguir esa forma de trabajo por defecto es un error ya que no todos tenemos las mismas aptitudes.

Adolfo — ¿Qué tipo de cine te interesa? ¿Quiénes son tus directores, tus películas favoritas del pasado o del presente?

Ana — Difícil tengo esta respuesta porque no soy nada dada a hacer listas de mis películas o directores preferidos. Pero si tengo que hacerlo, ahí van algunos ejemplos. Diría, sin pensarlo demasiado, que en mi lista de directores preferidos, entre bastantes más, estarían Éric Rohmer, Woody Allen, Billy Wilder, Kubrick… Sé que me dejo muchísimos otros maravillosos por puro despiste. Luego me va a saber fatal no haberme acordado de todos ellos. De todas formas soy más fan de las películas en sí mismas que de los directores porque es muy difícil mantener una filmografía excelente y, hasta los mejores, tiene películas más flojas o que sencillamente no me llegan tanto.
Una de las últimas películas que me ha impactado ha sido Ciudad de vida y muerte.

Adolfo — Has realizado varios cortos de ficción pero también has realizado un spot, un videoclip? ¿Te interesa trabajar en el mundo de la publicidad? Como sabes grande directores españoles como Erice o Patino han dirigido gran cantidad de spots. Godard fue quién dijo en alguna ocasión que le gustaba la publicidad pues era la mejor forma de experimentar.

Ana — Me gustaría poder trabajar en publicidad pero hasta ahora no se puede decir que lo hiciese. Es cierto que la publicidad puede ser muy creativa y un gran reto por la concisión que requiere, aunque me da la sensación de que el realizador tiene menos libertad. Sea como sea, me gustaría probar el medio.

Adolfo — Tu obra se fija sobre todo en `los personajes´. Limitas el plano de forma que entran dentro unos pocos personajes, incluso tienden a rodar en primeros planos. En los cortos que he podido ver entre los realizados, las personas tomadas `individualmente´ (dejando a un lado alguno de tus primero cortos rodado en blanco–negro desde un cierto carácter experimental) son esenciales. Por momentos, pienso, son más `ellos´ que actores. En el corto españoles actuales parece ser la forma de encarar los cortos (probablemente también en general los largos). Me figuro que eso conlleva por tu parte una gran confianza en el valor de los actores.

Ana — Es fundamental el trabajo con los actores, crear esa identificación con el personaje y el actor y que éste resulte creíble. Una de las cosas más bonitas y mágicas del cine es cómo, aún sabiendo que todo es mentira, nos emocionamos con las vivencias de los protagonistas. El hacerlo realidad es, en gran parte, mérito de los actores. Confiar en ellos es básico, ya no para hacer una buena película, sino para empezar a construir algo.

Adolfo — Algo queda me recuerda en parte el premiadísimo corto Alumbramiento de Chapero-Jackson, mientras que No digas nada que retrotrae levemente a Hable con ella de Almodóvar.

Ana — Ví Alumbramiento después de escribir el guión de Algo queda y, aunque sí que hay puntos en común entre ambos cortometrajes (además de compartir a la actriz Marta Belenguer y al compositor Pascal Gaigne), creo que mi visión de la muerte es más positiva, aunque no sé si Eduardo Chapero-Jackson estaría de acuerdo en lo que digo.
Sobre Almodóvar, te diré, que admiro su estilo propio y personal pero sus películas no me interesan demasiado. Creo que fallan bastante en el guión.

Adolfo — ¿Cómo surgió Algo queda?

Ana — La realicé para el II Certamen SNC FILM que este año se centraba en la figura del cuidador de Alzheimer.

Adolfo — ¿Cuál ha sido el coste?

Ana — El cortometraje ha costado unos 18.000 € más unos 3.000 € que destinaremos a su distribución.

Adolfo — ¿Cuánto duró el rodaje?

Ana — Lo rodamos en 5 jornadas. La parte de la actualidad en 3 días en Valencia y la parte de los años 70 se rodó en 2 días en Alzira.

Adolfo — ¿Habéis contado con subvenciones?

Ana — Mi guión fue uno de los finalistas en el II Certámen SNC FILM, por lo que recibí 15.000 € para invertirlos en su realización.

Adolfo — Me figuro que ruedas es sistema digital lo cual, incluso, te facilita el montaje posterior, que también llevas tú a cabo.

Ana — Algo queda está rodado en Súper 16mm. Es la primera vez que, como directora, he rodado en formato fílmico, lo cual para mí ha sido un reto añadido. De todas formas el montaje se ha hecho en digital, con el telecinado a HD. Y, efectivamente, lo he montado en mi ordenador.

Adolfo — El destino de los cortos es triste. En gran cantidad de ocasiones su única posibilidad es darse a conocer es en los festivales, pasar de uno a otro. Sin que lleguen a gran cantidad de espectadores, que es lógicamente a lo que tendéis (que deberían ser el destino al que tendéis). En general en los cortos se trabaja con un equipo de amigos sin que nadie cobre nada. Una vez terminados iniciando el camino de los festivales de cortos. Ver si se selecciona para algún festival de los `grandes´, o para los Goya o… los Oscar. ¿Qué se podía hacer para que los cortos entrasen en los canales de distribución normal?

Ana — No tengo ni idea. Mi sensación es que la producción va por un lado y la distribución va por otro (incluso en el caso de los largometrajes). Pero no tengo ninguna solución al respecto.

Adolfo — A partir de este momento ¿Cuál es el `camino´ que va a recorrer tu corto?

Ana — Gracias a que ganamos el primer premio en el II Certamen SNC FILM contamos con 3.000 € para invertir en la promoción y exhibición del cortometraje, por lo que lo enviaremos a todo tipo de festivales tanto nacionales como internacionales. El cortometraje salió no hace ni dos meses. De momento ha participado en el II Certámen SNC FILM donde ganó el primer premio del jurado al mejor cortometraje y en el Young Values Short Film Festival donde ganó el premio Rovira–Beleta al mejor guión. Habrá más festivales pero aún no sabemos en cuáles será seleccionado.

Adolfo — ¿Cómo llegaste a trabajar en Algo queda con esos estupendos actores, con esa admirable niña?

Ana — Gracias al asesoramiento de algunos amigos como Abel Zamora y de mi productor ejecutivo Cristian Guijarro. Dediqué mucho tiempo a elaborar el casting, con la dificultad añadida de que varias de las actrices interpretan al mismo personaje en diferentes momentos de su vida, por lo que tenía que tener en cuenta cierto parecido físico y/o de fisonomía.
Antes de comenzar el rodaje no tenía ninguna relación de amistad con ninguna de las actrices por lo que la forma que tuvimos de acercarnos a ellas fue confiando mucho en el guión y en los personajes que les proponíamos. Su respuesta fue fantástica y pudimos contar con un excelente electo formado por Marta Balenguer, María Alfonsa Rosso, Cristina García, Teresa Soria y Pepa Miralles.
El caso de las niñas fue diferente. En otros países no sé, pero en España no existen los niños actores, por lo que me centré en encontrar a una niña de 4-5 años a quien le gustara la idea de salir en una película y quisiera hacerlo. Magalí Aparisi fue la segunda (y última) niña que vi. El resultado final está a la vista.

Adolfo — ¿Qué quieres expresar en la película? Creo que tu idea va más allá de hacer un filme sobre el mundo del alzheimer.

Ana — El punto de partida del concurso de guión al que me presenté era reconocer el trabajo de los cuidadores de enfermos de Alzheimer. Respetando esto, porque además creo que en sí mismo es un tema interesantísimo y lleva implícito una gran potencial dramático, deseaba realizar una obra personal sin caer en el panfleto o en el estricto prospecto médico.
Por una parte la película muestra un paralelismo inverso entre la niñez y la vejez, también reflexiona sobre los cambios de roles que las personas sufrimos a lo largo de nuestra vida y, por último, es un homenaje a las madres y a su amor incondicional.

Adolfo — En tu corto encuentro varias líneas de interés, algunas las acabas de indicar, como son: el `reconocimiento´ de la labor de los padres para `sacar´ a los hijos adelante, enseñándoles a `vivir´. En ese aspecto —invirtiendo luego los términos— el filme se convierte en una historia sobre la dificultad–necesidad del aprendizaje, sobre la dureza de la vida… Pero, también, sobre el amor, la convivencia….

Ana — Sí, claro, pero para mi todo se puede resumir en un “cuidar de los nuestros”. Ésa es una de las formas más sinceras de mostrar amor hacía los demás. A simple vista no es muy romántico ni heroico, ni glamuroso pero es básico en el día a día.

Adolfo — En principio la idea es, o parece, simple. La basas en la `unión´ (cambiante) de dos tiempos, de dos situaciones, lo que da pie para plantear un claro análisis de una situación de forma que puedan entenderse los procesos de crecimiento–aprendizaje, declive–desmemoria. Lo que se va aprendiendo, como en un ciclo invertido, se olvida. Una especie de línea que lleva del nacimiento al adulto, para invertirse posteriormente el proceso: el adulto se convierte en alguien que va volviendo a la infancia pero ahora en un camino que le lleva a la muerte, a la desaparición. ¿Cómo te planteaste la relación entre esos `caminos´, en el paralelismo de ambas situaciones?

Ana — Ese paralelismo inverso entre niñez y vejez es un tema que me interesaba desde hacía tiempo y aquí encontré la oportunidad de desarrollarlo ya que por una parte reforzaba la idea del cambio de rol entra la madre y la hija y al mismo tiempo me servía para darle un pasado y una identidad (perdida y olvidada) a la anciana que padece Alzheimer.

Adolfo — ¿Conocían directamente algunos casos de esta enfermedad? ¿Te asesoraste en centros especializados?

Ana — Mi abuela padeció demencia senil, que aunque no es exactamente igual que el Alzheimer, sí que tiene mucho en común. Igualmente me documenté sobre las llamadas tres fases del Alzheimer (y que intentó reflejar en mi corto dividiéndolo narrativamente en tres bloques). Por último, hemos contado con la ayuda y el apoyo de la A.F.A.V. (Asociación de familiares de enfermos de Alzheimer de Valencia) y pudimos rodar con pacientes de verdad una de las secuencias en el centro de día para enfermos de Alzheimer.

Adolfo — Nacimiento–muerte, desvelo de los padres por los hijos, necesidad de aceptar esa entrega en todo o en parte, el seguimiento de la degradación de los seres… todo ello aparece en tu filme

Ana — Poco más me queda por añadir pues el cortometraje habla por sí solo. Sí que me gustaría recalcar que aunque Algo queda trata de una hija que cuida a su madre que es totalmente dependiente de ella, las hijas siempre seguimos siendo hijas y necesitamos que nuestras madres sigan siéndolo. Por eso el final del corto es positivo para la protagonista, porque por unos segundos se libera de su carga y vuelve a sentir que tan sólo es una hija en los brazos de su madre.

Adolfo — ¿Por qué aíslas a las dos mujeres? Es decir la madre parece no tener marido, se enfrenta sola a la enseñaza de su hija, luego pasa lo mismo en la posterior, pero equivalente, situación de hija cuidando/enseñando a la madre...

Ana — Es una cuestión puramente práctica. Si introducía más personajes la historia se alargaba innecesariamente y además se alejaba de lo que quería contar. Es una historia cuyo sentido recíproco tiene más sentido y fuerza si se centra en esos dos personajes.

Adolfo — Cara al futuro ¿prevés realizar un largometraje?

Ana — Ahora mismo estoy en el proceso de postproducción del cortometraje Conchín se lo traga, codirigido junto a Abel Zamora, y que espero se pueda ver en unos meses.
También tengo un proyecto de cortometraje que se llama Atari co–escrito junto a Ricardo Sánchez–Sáez y que, a través del Go (un juego de tablero similar al ajedrez) narra la vida de tres generaciones de japoneses (abuelo, padre e hijo) en España y cómo se integran o no con su entorno. La idea es rodarlo en septiembre.
En cuanto al largo, tendrá que esperar pues para ello necesitaría un productor. Mientras tanto seguiré rodando todo lo que pueda.

Adolfo — Esperamos tus próxima obras… Suerte.

Ana — Eso espero.

www.algoqueda.com