lunes, 31 de mayo de 2010

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Crítica de Rabia


Hidrofobia social 1 2 3 4 5
Escribe Juan Ramón Gabriel

Rabia
Dos líneas de fuerza temática y genérica se entremezclan en el guión de esta película: por un lado hay una indisimulada denuncia social de la situación de los inmigrantes en España; por otro, el intento de encubrir tal crítica política mediante el envoltorio del thriller psicológico de nítidas reminiscencias hitchcockianas, cribadas con el cedazo de la producción de Guillermo del Toro. Ambos vectores no sólo no logran una convergencia diegética, sino que a medida que el filme se desarrolla propician una divergencia estructural que disipa cualquier atisbo de uniformidad y coherencia en el relato.
Lo que debía ser un guión de hierro, medido milimétricamente, a partir de las consecuencias derivadas de un acto de cólera, de una violencia congénita, se convierte en un simple rosario de ocurrencias que intentan taponar, a medida que la propia historia evidencia las fugas de agua del casco narrativo, un naufragio inexorable.

RabiaLa rabia que anida en el interior del protagonista José María, un inmigrante sin papeles que trabaja en la construcción, se arrastra desde su lugar de origen, intuyendo el espectador que debe corresponder a la explotación inherente a la sociedad de procedencia. Ese furor es mitigado por el conocimiento de Rosa, una bella colombiana que trabaja como interna para la familia Torres. No obstante, los celos patológicos y endógenos de José María, su condición de "macho" protector y dueño de su mujer, afloran ante los comentarios lascivos que suscita la belleza de su amada. Su violencia estalla sin ningún tipo de control, cual resorte interno, muestra de la patología afectiva que lo constituye. Este atisbo de crítica a la idiosincrasia emocional suramericana aparece y desaparece del guión según el arbitrio del director-guionista, con lo que pierde su funcionalidad narrativa.

Esta furia también será el detonante de la tragedia: un comentario despectivo de su patrón respecto a su compañera, rescoldo del primer arrebato violento de José María, se saldará con la muerte del jefe.
RabiaJosé María se siente acosado y busca refugio en el lugar de trabajo de Rosa. Subrepticiamente se esconde allí. El director ofrece su intrusión elípticamente, elipsis que marca el cambio de rumbo de la película y señala el inicio del naufragio de la historia. Tal vez la elipsis responda a la necesidad de obviar el hecho de que el perro guardián ladre cada vez que a lo largo de la película suena el timbre, pero está claro que no tenía que ladrar cuando irrumpe el protagonista, y no ladró.

Desde este momento, la mansión señorial, la casona de origen indiano-burgués, epítome de construcción decimonónica, pasa a desempeñar un protagonismo absoluto: el género de terror psicológico se adueña del guión, aunque el terror y la psicología se desdibujen por momentos. Se pretende crear un clima claustrofóbico, opresivo, a través de los recovecos espaciales, alegoría del laberinto psicótico que se desata en José María. Lo que debería ser refugio es, en realidad, una madriguera habitada por lobos hispánicos, a saber, una familia de la alta burguesía vasca en pleno proceso de descomposición, que sólo vive de mantener las formas. De una manera tosca y burda, el director desaprovecha el paralelismo que establece entre la degradación del protagonista, rata asustada en su nido usufructado, y los propietarios de la guarida, lobos famélicos, carentes de aliento vital y emocional, que expropiarán la belleza, el candor y la pureza que desborda su criada Rosa.

Para pautar el paso del tiempo, se recurre al embarazo de Rosa y a la degradación física de José María. Y aquí fracasa la concatenación de las causas. Los recursos utilizados no están mesurados matemáticamente, sino que se encadenan a las necesidades perentorias de hilvanar los constantes descosidos que empiezan a surgir. La doble línea telefónica; la duda sobre si Rosa mantendrá su embarazo o inducida por una amiga abortará; la violación que inflige la alimaña de Álvaro, el parásito vástago de la familia Torres, sobre la indefensa criada; el que nadie se de cuenta de que Rosa esté embarazada, pues ella lo disimula con una faja que debe pasar inadvertida a su violador; el deambular fantasmal de José María por la casa sin ser percibido; la nula consecuencia de la investigación de la policía; el asesinato de Álvaro por José María y su inverosímil transformación en un accidente; la llegada del resto de miembros de la familia Torres: la hija Marimar y sus tres hijos, que ocupan el espacio sin entrar en conflicto con la "rata" asustada de José María; los subrayados enfáticos sobre el nieto Esteban o sobre sus hermanas gemelas, que no tienen continuidad ni finalidad; la exhibición de una maravillosa sala de juegos abandonada como mero recurso de relleno, sin desarrollo ni función ...

El retrato de la familia Torres, carcomida por el alcohol, es lo mejor de la película: los actores españoles que los encarnan (Xavier Elorriaga, Concha Velasco, Iciar Bollaín, Alex Brendemühl –magnífica su caracterización e interpretación de alimaña humana-) dotan de una solvencia física a unos personajes sin ningún tipo de consistencia narrativa: un despilfarro y una incongruencia por parte del director: los utiliza simplemente como guiñoles de la maldad española, en contraposición a las penurias e infortunios de los inermes suramericanos. Cabe señalar que los actores españoles parecen mejor dotados para la interpretación de personajes ruines antes que para interpretar a seres encantadores y buenrrollistas. Una lástima que el cine español, por cuestiones ideológicas, no profundice en este aspecto.

Finalmente, el melodrama desaforado se apodera de la relación entre José María y Rosa: presto a morir aquél después de ser literalmente fumigado, se produce el encuentro entre ambos personajes y el hijo de ambos, que al final ha nacido. Hijo que será expoliado por los Torres, para cubrir el vacío de su desaparecido Álvaro. Ellos se harán cargo de su crianza. Al menos, Rosa ha podido elegir el nombre de su criatura: José María, por supuesto.
Esta conclusión melodramática ya venía prefigurada y remarcada por el leitmotiv musical: una canción que ha sonado a lo largo de toda la película en la voz rota de Chavela Vargas y cuya letra es toda una ilustración de la pasión que preside el amor de los protagonistas.

RabiaEl largo plano-secuencia final, desde el abrazo mortuorio de los amantes en el suelo de su cárcel privada, hasta la fachada exterior de la casa, en contrapicado, atravesando todas y cada una de las estancias del laberinto doméstico y psicológico donde se ha desarrollado la descascarillada tragedia, es un claro ejemplo del ejercicio caligráfico en el que se ha sustentado una historia inane, inarticulada y fofa. El estilo no logra suplir las carencias, más bien las evidencia.

Queda claro, pues, que comercialmente ya hay un nicho de mercado al que va dirigido esta película: a los que se identifiquen tanto con los sufridos y apaleados protagonistas, como a los que deploren la perversa actuación de sus explotadores. Un cóctel fácil y simplista. Peligroso.


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9º Imagineindia: Competición India

web Imagineindia
9º Imagineindia Film Festival


18 – 29 mayo
Madrid
www.imagineindia.net



Sección India. Competición

Por Purilia


El Festival Imagine India llega este año a su IX edición con una selección de 77 películas repartidas en tres grandes secciones: Sección India (41), Sección Asiática (21) y Sección Internacional (15), compuesta cada una, a su vez, por distintas subsecciones que ofrecen una amplia panorámica tanto de películas recientes como de reconocido prestigio.

Componen Sección India once películas actuales, realizadas por cineastas curtidos en distintas facetas de la profesión, algo muy habitual en la industria del cine indio, algunos de los cuales debutan en la dirección. Muchas de ellas ya han pasado por los festivales de Venecia, Cannes, Londres, Granada… y otras harán su estreno oficial en España.

    Do paise ki dhoop chaar aane ki baarish / Dos paisas para el sol, cuatro annas para la luna, de Deppti Naval (2009, 117’)

Deepti Naval

Deepti NavalDeepti Naval es una reconocida, bella y culta actriz india con más de treinta años de carrera profesional. Debutó en el cine en 1979 con Ek Baar Phir y desde entonces ha realizado más de sesenta películas, algunas de reconocido prestigio.

Aunque nacida en la India, se formó en Estados Unidos donde se licenció en Bellas Artes. Inquieta y sensible es también poeta, pintora y fotógrafa. Y aunque ha escrito, dirigido y producido series para la TV, con Do paise ki dhoop… debuta en el largometraje, en el que además de la dirección, ha asumido las facetas de guionista y productora.


Sinopsis

Debu es un joven culto y profundo, letrista de profesión, pero sin mucho éxito, al que acaba de abandonar su novio, después de tres años y medio de relación, dejándole prácticamente en la calle. Vagando bajo la lluvia conoce a Juhi, una prostituta ajada y vulgar con un hijo de doce años minusválido físico, al que deja al cuidado de asistentas ocasionales mientras trabaja.

Debu, sin trabajo, se ofrece a cuidar al niño y hacer las tareas de la casa. Ella en principio, le rechaza pero, finalmente (cuando conoce su profesión), le acepta. Su vida empieza a cambiar cuando el joven se instala con ellos: la casa está más ordenada y limpia, el niño atendido y feliz y ella más relajada. Poco después la situación económica de ambos se intercambia, él empieza a vender las letras de sus canciones y ella, en cambio, tiene cada vez menos clientes, por lo que Debu intenta persuadirla de que abandone, definitivamente, la prostitución enseñándola a comportarse con educación, vestirse con elegancia, maquillarse con discreción… ,en definitiva, convertirse en una señora.

Cada vez pasan, los tres, más tiempo juntos, y casi sin percibirlo se empiezan a establecer entre ellos lazos más profundos, más sinceros, casi familiares. Juhi confundida, fuerza la situación e intenta cambiar la tendencia sexual de Debu, hecho que desencadena su marcha. Al quedarse solos de nuevo, madre e hijo, ella se plantea volver a ejercer su profesión, finalmente, recordando los consejos de Debu, decide buscar otra manera de ganarse la vida. Entonces, él vuelve para quedarse, pero como lo que es.


Los personajes

Lo más entrañable de la película son sus tres personajes principales, cada uno con su particular cruz a cuestas (en la película aparece en varias ocasiones el plano de una cruz iluminada), una carga que se aliviará cuando sus vidas, inesperadamente, confluyan.

Debu. Es un hombre culto, profundo y sensible. Un ser generoso y optimista que contagia su bondad a los que viven a su lado. Acepta la realidad sin desesperación. No se deprime al ser abandonado ni cuando el trabajo escasea y siempre tiene una sonrisa para los que le rodean. Cuando su pareja le deja se vuelca en las tareas domésticas en casa de Juhi, especialmente en el cuidado del niño, al que ofrece el cariño maternal que le falta y con el que compensa su propia carencia afectiva paterna.

Las letras de sus canciones son su refugio emocional, un reducto de incomprendida sensibilidad, que finalmente serán aceptadas.

Juhi. Es una mujer en la treintena, ordinaria y vulgar, aún joven y guapa, pero descuidada. Dejó sus estudios y su hogar, para casarse muy joven, y su familia la repudió. Tras siete años de malos tratos continuos, su marido la abandonó, definitivamente, al dar a luz un hijo con problemas. Desde entonces se dedica a la prostitución. Viste con el sari tradicional, lo que junto a su edad, precio y abandono la sitúan en desventaja en el mercado del sexo, frente a las jovencísimas y modernas estudiantes que se ofrecen por la mitad.

Nunca ha asumido su rol de madre. Quiere a su hijo, pero no le atiende. Le culpa por el abandono de su marido y así se lo reprocha en cierto momento de desesperación. Ha asumido siempre funciones de padre, preocupada por su manutención y descuidando la parte afectiva. Conviven como dos extraños, incomunicados y amargados atrapados en una rutina aplastante. A pesar de todo le duele el momento en que su hijo no la reconoce como madre, reservando ese sentimiento para Debu.

Debu le enseñará modales, a ser mejor madre, a cuidar su aspecto y su comportamiento, será su amigo, su confesor… y en un momento determinado ella intentará hacerle su amante. En su entendimiento de mujer inculta cree que su homosexualidad puede ser reversible si se acuesta con ella, actitud que determinará que Debu les abandone.

Kaku. Es un niño parapléjico. No habla y necesita ayuda constante de un adulto para todo. Para comunicarse utiliza los ruidos y los golpes. Vive permanentemente adosado a una silla de ruedas, sin contacto físico ni afectivo. Su madre le presta poca atención. Ha vivido toda su vida encerrado en casa, al cuidado de terceras personas, lo que le ha convertido en un muchacho huraño, desconfiado y resentido con su madre y con el mundo.

Debu se convertirá en su referente maternal. Se gana su cariño con dedicación y sinceridad. Le enseña a reir, a disfrutar de la vida, a ser feliz e incluso a hablar. Con él emite sus primeras sílabas: ma, ma, que Juhi cree, equivocadamente, dedicadas a ella.


Temas

La incomunicación es el tema principal de la película. Fruto de desajustes emocionales no superados, los tres personajes viven fuera de la realidad, enclaustrados en su interior, ajenos al mundo que les rodea. Debu vive su diferencia, ensimismado, escribiendo canciones profundas que no parecen interesar a nadie; Juhi, utiliza su cuerpo como pretexto económico y recurso emocional para autojustificarse y evitar a su propio hijo; y éste cuya incomunicación, además es literal (no habla, no se relaciona con nadie), sólo se manifiesta a través de ruidos y gestos poco conciliadores. Poco a poco, todos, van rompiendo sus barreras, e intentando darse al otro, encontrarse con su propia identidad.

Do paise ki dhoop chaar aane ki baarishUn tema colateral es la homosexualidad y las distintas formas de afrontarla de los personajes. Debu la asume y se acepta a sí mismo como es, su exnovio, en cambio, reniega y se avergüenza de su relación, intentando justificarse y ocultándose tras una futura boda con una mujer. Juhi tampoco termina de asumirla con naturalidad, cree que puede ser reversible y aunque acepta a Debu, teme que algunas de sus actitudes puedan desviar la sexualidad de su hijo.


La película

Una estructura de cuento con moraleja final incluida (“Lo importante del amor no es buscar a alguien que nos complete, sino encontrar a alguien que nos ayude a compartir lo incompleto”), en el que hay un trasfondo humano y vital, pero irreal, que mezcla drama, humor y música con ligera trascendencia. Los personajes están bien planteados, pero poco desarrollados, la fotografía y los encuadres son excelentes, sin embargo hay cierta ingenuidad poco convincente, en un tratamiento, pretendidamente profundo, lleno de símbolos que se repiten insistentemente: la lluvia, una cruz latina iluminada, un carrito lleno de globos amarillos y un gran puente en construcción que aparece en las escenas más significativas como representación de la comunicación que pretenden establecer entre sí los personajes.

La película tiene un fuerte componente bollywodiense, y una estética de videoclip abusiva, con música y muchas canciones intercaladas en la trama -aunque sin las coreografías típicas-, lo que permite no perder, en ningún momento, la referencia del argumento. Una historia sencilla y superficial, con personajes complejos, en la que se vislumbra la intención de crear un producto diferente pero sin renunciar a nada.


    My name is Khan (2010), de Karan Johar,
My name is Khancuenta los problemas de un hombre musulmán con síndrome de Asperger, que tras los atentados del 11S en Estados Unidos,
siente la creciente ola de xenofobia que azota a todo el país. La necesidad de declarar su inocencia le incita a buscar al presidente de la nación para darle su mensaje. Cuarto largometraje de un reconocido realizador y guionista indio que comenzó su carrera como asistente de Yash Chopra y debutó en la dirección en 1998.

    Gulal (2009), de Anurag Kashyap.
GulalTres jóvenes universitarios, en una ciudad anónima, intentan unir sus fuerzas para conseguir la independencia del lugar. Thriller que “profundiza en los ideales juveniles y pone de manifiesto algunas verdades en torno al estado caótico en el que se encuentran algunas regiones de la India”. Sexto largometraje de un director comprometido con la realidad de su país cuyas películas son el retrato de “una sociedad en decadencia, autodestructiva e irreflexiva”.

    Little Zizou (2009), de Sooni Taraporevala.
Little ZizouComedia de enredo en la que dos familias rivales de Mombai se ven implicadas en una serie de conflictos desencadenados por la publicación de una noticia en un periódico local. La directora, guionista habitual de las películas de Mira Nair (Salaam Bombay!, Mississipi Masala, Country, My namesake), debuta en el largometraje con esta película.

    Khargosh (2008), de Paresh Kamdar.
KhargoshUn niño de diez años se convierte en el cupido de dos jóvenes enamorados que viven su pasión de forma clandestina. Montador anteriormente, esta es su segunda película de Kandar como director, de la que también es guionista y ha realizado el montaje.

    Supermen of Malegaon (2008), de Fazia Ahmad Khan.
Supermen of MalegaonDocumental sobre un grupo de hombres de Malegaon que para huir de la cruda realidad social y económica de su comunidad, ruedan sus propias películas parodiando el estilo de Bollywood. Obra de una joven realizadora interesada por la realidad.

    Aadmi ki aurat aur anya Kahaniya (2009), de Amit Dutta.
Aadmi ki aurat aur anya KahaniyaTres episodios que exploran las relaciones “entre los hombres, las mujeres y los espacios físicos y mentales que habitan”. El joven realizador indio, anteriormente crítico y articulista periodístico, debuta en la dirección con este largometraje.

    Firaaq (2008), de Nandita Das.
FiraaqCausantes y víctimas de un grave accidente, ocurrido en Gujarat, relatan como les afectó a sus vidas, física y emocionalmente, aquella tragedia. Opera prima de la conocida actriz india de algunas películas inolvidables de Deepa Metha como Fuego (1996) y Tierra (1998). También firma el guión.

    Aamir (2008), de Rajkumar Gupta.
Aamir significa literalmente líder. El protagonista de esta historia deberá enfrentarse a la difícil decisión de optar por ser un seguidor, sin fe, sin convicción pero con miedo, o convertirse en un líder.

    Harishchandra´s Factory (2009), de Paresh Maokashi.
Harishchandra´s FactoryBiopic sobre el pionero del cine indio Dadasaheb Phalke y las vicisitudes que pasó para realizar la primera película del cine indio en 1913. Opera prima que fue elegida para representar a India en los Oscar. Maokashi, procedente del teatro experimental, es también el guionista y productor.

    Kutty Shrank (2009), de Shaji N. Karun.
Kutty ShrankA partir de la aparición de un cadáver en las orillas del río, se recompone la controvertida historia de un solitario barquero a través de los relatos de sus tres viudas. Quinto largometraje de un veterano realizador y guionista que debuto en el cine como director de fotografía.



My name is Khan



domingo, 30 de mayo de 2010

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Ha muerto Dennis Hopper


Dennis Hopper (1936-2010)

Dennis Hopper
El actor y director norteamericano Dennis Hopper ha muerto a los 74 años de edad víctima de un cáncer de próstata. Hopper era el último máldito de Hollywood, un artista que formó parte del llamado cine clásico basado en el star system, pero del que se desprendió para encabezar con Easy rider, en su doble papel de actor y director, un cine independiente y progresista muy apegado a los tiempos que se vivían a finales de los 60. Un cine que visto ahora quizá destile un cierto aroma a rancio pero al que hay que situar en el contexto concreto en que se concibió y otorgarle su papel de testimonio historico de una generación que rompía con el pasado.

Easy rider
Durante unos años, los personajes que Dennis Hopper interpretaba en la gran pantalla y sus vivencias reales parecían que se entremezclaban sin saber donde empezaba uno y acababa el otro. El ansía de libertad, independencia y locura que destilaban sus interpretaciones y sus guiones representaban no sólo al actor sino también al hombre que los encarnaba.

Tras el éxito de Easy rider, en los 70, Hopper luchaba contra su adicción a las drogas y el fracaso de sus filmes como director (The last movie, Out of blue) que le obligaban a trabajar como actor en multitud de películas. Pero en sus peores momentos el personaje, el actor, se imponía y agigantaba en la pantalla. Su interpretación del periodista en Apocalypse now (1979) o el Tom Ripley que dibujó para el filme de Wenders, El amigo americano, son la muestra evidente de su talento.
Apocalypse now

Recuperado de sus adicciones a partir de los 80, y gracias al perverso personaje que interpretó a las ordenes de David Lynch en Terciopelo azul, Hopper vivió un segundo periodo de éxito gracias a una serie de personajes secundarios donde daba vida a malvados seres que pululaban en diversos thrillers. Volvió a ponerse tras la cámara, dirigiendo un puñado de películas (Colours, The hot spot, Chasers, Homeless) que ya no tuvieron ni el interés ni el riesgo de sus primeros trabajos. En cualquier caso Hooper, cuando tenía una oportunidad, siempre destacaba aunque apenas tuviera unos minutos para ello. En Amor a quemarropa, donde interpretaba al padre del protagonista, nos hacía disfrutar en una pequeña escena (con Christopher Walken) que se convierte en el ejemplo perfecto de su capacidad para conseguir esa magia que de vez en cuando son capaces de trasmitir los mejores actores.

Terciopelo azul

Adscrito durante años a la leyenda negra que le auguraba una muerte en extrañas circunstancias como todo el reparto que intervino en Rebelde sin causa (James Dean, Natalie Wood o Sal Mineo), al final, ha sido un cáncer el que ha terminado de situarlo en la constelación de estrellas artísticas de una clase de hacer y entender el cine que va muriendo al mismo tiempo que lo hacen sus protagonistas.

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Convocatorias de participación: Sevilla, San Sebastián, Cortomieres


web Festival
10º Sevilla Festival de Cine Europeo


5 – 13 noviembre

www.festivaldesevilla.com


antes del 25 de septiembre


Sevilla Festival de Cine Europeo se plantea como objetivo básico la difusión de la cultura cinematográfica europea, con especial atención de las cinematografías europeas emergentes, dando entrada a la incorporación de los nuevos soportes de expresión cinematográficos. Al mismo tiempo, se propiciará el encuentro de las obras de nuevos creadores y de figuras consagradas, que permitan mostrar la perspectiva amplia de las más recientes y significadas a nivel internacional. El Festival, asimismo, ofrece un lugar de encuetrno anual para la industria del cine europeo.”.


Condiciones de participación

Películas en 35 mm. o en soportes digitales de calidad (Betacam SP Pal, DVD, DigiBeta).
En versió noriginal, con subtítulos en español o, por motivos justificados, con subtítulos en inglés.

Sección Oficial: largometrajes producidos después del 1 de enero de 2009. Inéditos en España y preferentemente no exhibidos en otros Festivales.

Eurodoc: largometrajes (más de 60´) documentales de producción europea. Producidos después del 1 de enero de 2009. Inéditos en España.

Selección EFA: películas de ficción que configuran el Panorama de Cine Europeo del 2010 y las seleccionadas y nominadas por la European Film Academy. (Quedan fuera de competición aquellas ya estrenadas comercialmente en España).

Eurimages: películas cofinanciadas con fondos de Eurimages después del 1 de enero de 2009. (Quedan fuera de competición aquella películas ya estrenadas comercialmente en España)


Premios

Sección Oficial. Otorgado por un jurado internacional,
    Giraldillo de Oro a la mejor película: 45.000 €
    Giraldillo de Plata: 25.000 €
    Premio Especial del Jurado: 25.000 €


Eurodoc. Otorgado por un jurado internacional,
    Giraldillo de Oro a la mejor película documental: 20.000 €


Selección EFA. Premio del Público (por votación popular),
    Gran Premio del Público a la mejor película: 40.000 €


Eurimages,
    Premio Eurimages a la mejor coproducción europea: 30.000 €


Entre todas las secciones competitivas,
    Premio Giraldillo de Oro a la Mejor Dirección de una de las películas de las secciones a concurso: 15.000 €
    Premio del Jurado Joven, integrado por estudiantes de las universidades de Sevilla, al mejor largometraje de las secciones competitivas. Entrega de trofeo
    Premio al Mejor Guión: trofeo
    Premio a la Mejor Actriz: trofeo
    Premio al Mejor actor: trofeo
    Premio al Mejor Director de Fotografía: trofeo

Sin posibilidad de otorgar premios ex aequo ni declararlos desiertos.
Todas las dotaciones económicas, excepto el Premio a la Mejor Dirección, están destinadas al distribuidor de la película en España.


Reglamento / Regulations (PDF)
formulario de inscripción (PDF)
info@festivaldesevilla.com





web Festival
58º Festival de San Sebastián

Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine


22 – 24 septiembre,

en el marco del 58 Festival
(17 – 25 septiembre)

www.sansebastianfestival.com

del 7 de junio
hasta el 5 de julio


El Encuentro Internacional de Estudiantes de Cine, organizado por el Festival de San Sebastián y Tabakalera (Centro Internacional de Cultura Contemporánea de San Sebastián) propone un intercambio de experiencias y aprendizajes en materia audiovisual en el entorno de uno de los más importantes certámenes cinematográficos del mundo. Los jóvenes pueden mostrar sus cortometrajes, asistir a encuentros con profesionales y conocer algunas de las últimas novedades en tecnología audiovisual”.


Condiciones de participación

encuentro escuelasCortometrajes presentados por escuelas de cine, con un máximo de tres trabajos por escuela. Se seleccionarán un total de 14 escuelas que participarán en el Festival de San Sebastián. Los jóvenes mostrarán sus trabajos seleccionados, mientras que los profesores o representantes de las escuelas tendrán la oportunidad de dar a conocer los principios pedagógicos del centro en materia audiovisual.

Un jurado específico otorgará al mejor cortometraje y determinará los nombres de tres directores que podrán participar con sus cortos en el Short Film Corner del próximo Festival de Cannes.

Los Encuentros ofrecen el marco propicio para el intercambio de experiencias y aprendizajes entre alumnos y profesorado de las escuelas que participen. Asimismo, se organizán encuentros co nprofesionales para conocer algunas novedades en tenología audiovisual.







web Mierescorto
10º Cortomieres


21 – 28 enero 2011

www.cortomieres.com


antes del 25 de septiembre


Secciones y condiciones de participación

Podrán concurrir cortometrajes de nacionalidad española, o realizados por directores y productores españoles, o con tarjeta de residencia en España.
De producción posterior al 1 de enero de 2009.
Que no hayan concurrido en ediciones anteriores de este certamen.
    Sección oficial a concurso de cortometrajes de Ficción, tema libre, de duración no superior a 30´, en versión castellana o con subtítulos en este idioma, en 35 mm. o DVD.
    Sección oficial a concurso de cortometrajes en Videoclips en vídeo, de duración no superior a 10´, en copia final en DVD.
    Sección oficial a concurso de cortometrajes de Animación , de duración no superior a 30´, en versión castellana o con sustítulos en este idioma, en 35 mm. o DVD.
    Sección oficial No-Ficción, tema libre, sin límete de duración, en versión castellana o con subtítulos en este idioma, en 35 mm. o DVD.
    Secciones paralelas, integrada por obras de cine y vídeo


Premios

Otorgado por un JURADO constituido por tres personas
    Mejor Cortometraje en Cine:
    Mejor Cortometraje en Cine: 5.000 €
    Mención Especial del Jurado
    Premio a Mejor Director
    Premio a la Mejor Interpretación
    Premio al Mejor Guión
    Premio a la Mejor Fotografía

Jurado específico NO FICCIÓN
    Mejor Obra de No Ficción: 2.000 €

Jurado específico ANIMACIÓN
    Premio al Mejor Corto de Animación: 2.000 €

Jurado Oficial de la Sección VIDEOCLIPS, constituído por tres personas
    Premio del Jurado al Mejor Videoclip: 1.500 €

JURADO JOVEN, constituído por jóvenes de entre 16 y 30 años, entre los cortometrajes de la Sección Oficial de Cortometrajes de Ficción
    Premio del Jurado Joven: 1.500 €

PREMIO DEL PÚBLICO, por sistema de votaciones,
    Premio del Público: 2.000 €


bases (PDF)
www.cortomieres.com
info@cortomieres.com


sábado, 29 de mayo de 2010

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Rodajes en preparación: J. Rebollo, D. Planell


El muerto
Tercer largometraje de Javier Rebollo, tras La mujer sin piano (2009) y Lo que sé de Lola (2006).

Coproducción hispano-francesa entre Icónica, Lolita Films y Noodles, Javier Rebollo está preparando en Argentina el rodaje que se extenderá a lo largo de 3.000 km., desde Buenos Aires hasta la Quiaca, en la frontera norte entre Argentina y Bolivia.

Con un guión escrito por Lola Mayo (Lo que sé de Lola, La mujer sin piano) y el guionista argentino Salvador Roselli (Bombón el perro, Liverpool), tendrá por protagonistas a José Sacristán y la actriz uruguaya Roxana Blanco.

El muerto es una película de carreteras, perros y pistolas. José Sacristán interpreta a un asesino a sueldo que no asesina. Huyendo de su propia muerte y acompañado por una mujer que también escapa, recorre carreteras secundarias camino al norte al volante de un chevrolet viejo y sin rumbo por toda la Argentina”.


La mujer sin piano (2009)





La última de Almodóvar (título provisional)
Será el segundo largometraje de David Planell (La vergüenza, 2009).

Contando con las ayudas del programa MEDIA (http://ec.europa.eu), de ayudas europeas para el desarrollo de proyectos individuales, el rodaje se realizará en primavera del próximo año.

Producida por Avalon P.C. (www.avalonproducions.es), estará protagonizada por Carmen Machi, Lola Dueñas y Luis Callejo.

Con La última de Almodóvar Planell quiere “contar treinta años de la historia de un país a través de la vida de la familia Barranco y de las películas del cineasta manchego, desde Pepi Luci Bom y otras chicas del montón hasta Los abrazos rotos”.


La vergüenza (2009)




viernes, 28 de mayo de 2010

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Calificaciones Encadenados: mayo (4 / 4)


calificaciones mayocalificaciones mayo

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Crítica de Jacuzzi al pasado


Gamberrada sin tapujos 1 2 3 4 5 
Escribe Carlos Losada


Jacuzzi al pasado

A veces es curioso comprobar como los productores y distribuidores se las ingenian para promocionar sus películas. En el caso de Jacuzzi al pasado, de Steve Pink, han echado mano de lo suelen llamar "acercarse a lo popular". Manifiestan que esta película es un homenaje a las comedias de adolescentes de los ochenta. Naturalmente, no aclaran cuáles; aunque tampoco habría que hilar muy fino para darse cuenta de que serían de las inocentes gamberradas que por entonces se hacían, de forma un tanto tímida y pretendiendo no incordiar a los mayores.


El caso es que la promoción no sabemos si surtirá efecto, porque esta película es difícil de clasificar, al margen de afirmar rotundamente que es una gamberrada sin tapujos porque parece copiarse a sí misma, ya que en el fondo nos lleva a la escatología pura y dura, donde el culo, caca, pis de la infancia inocente se torna monserga de gruesos caracteres para adultos que no presumen de hacerse los remilgados.

Jacuzzi al pasado

Pues en eso estábamos cuando el grupo de amigos de juventud, que ahora atraviesan una existencia más gris que monótona, y de una cotidianidad sin alicientes, deciden reunirse y volver a tiempos anteriores, cuando juntos se lo pasaban "cojonudamente", utilizando sus expresiones. Y se van a un hotel en las montañas, que tiene jacuzzi y así intentar conjurar el pasado, dado que disfrutaron del jacuzzi cuando eran adolescentes. Una vez instalados, y considerablemente bebidos, se instalan en el jacuzzi de sus recuerdos. Y milagro del guionista, y de cierto sentido negro de la existencia, el jacuzzi, al relajarlos, les lleva a 1986, con su aspecto actual, pero con las neuronas al acecho para rehacer esas vidas que en 2008 no les gustan nada.


Y así empieza una serie de procacidades, que parecen no tener fin, y unas situaciones personales que rozan la humanidad, pero sin ningún sentido ni del ridículo que hacen, ni de las consecuencias que pueden acarrearles. Los actores, desde John Cusak hasta el último figurante, ponen las caras adecuadas a sus desmanes, y algunos hasta se mofan de ellas, como si no acabasen de creérselo, lo que es de agradecer, y resulta ser el único tanto positivo de esta película, porque dan la impresión que pueden llegar a reírse de sí mismos, provocando en algunos espectadores una anuencia que hasta les resulta simpático un comportamiento tan absurdo.


Jacuzzi al pasado recaudó mucho en los USA; pero ya sabemos que allí casi todo es posible, y que por estos lares nos pueden parecer cargantes estas gamberradas, porque aparte de conocerlas, y contemplar algún que otro botellón, sabemos que las provocan gentes sin otras miras que el raquítico presente que les devora, la insuficiencia de sus motivaciones, lo cansados que están de sí mismos; y es que en el fondo tenemos un sentido del humor más desarrollado hacia la sutileza de las cosas –aunque por aquí se hayan rodado algunas gamberradas sin más gracia que la estupidez que las provoca.

Jacuzzi al pasado

Por lo demás, toda la fuerza de sus expresiones y sugerencias, su desear, su querer llevar a cabo, se les va por la boca, nunca mejor dicho, porque de acciones diríamos que cero. Esto es, que si expresan el deseo de hacer todas las habilidades amorosas posibles, o todas las posibilidades de juntarse con la persona de sus deseos para hacerla disfrutar más que nunca, y a veces de manera tan salvaje como visceral, todo se queda en palabras, en querer y no hacer –al margen de algún escarceo sexual de poquísimo fuste-, y en la terrible sensación que sus vidas y sus necesidades, sus sueños y esperanzas, son únicamente humo. El resto, como dijo Horacio, es silencio.

Jacuzzi al pasado no pasará de esta temporada, y será olvidada poco después de su estreno –aunque su presentación en DVD pueda generar algún comprador compulsivo- y nos quedará el convencimiento que este tipo de películas no son necesarias, al margen de saber burlarse, en algún momento, de sí mismas, que ya es algo. Hala, a disfrutar de la vida, porque las imágenes de Steve Pink no son necesarias, aunque algunos les riamos las gracias un poquitín.



martes, 25 de mayo de 2010

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18ª Mostra de Dones (10 – 20 jun., BCN): ¡Vindicación!

web Mostra de Dones
18ª Mostra de Dones


10 – 20 de junio
Barcelona

www.mostrafilmsdones.cat
en facebook

organiza Drac Màgic


Con un trasfondo muy vindicativo, vuelve a la carga la 18ª Mostra de Dones de Barcelona. Durante 10 días, una cuarentena de títulos, entre los que destaca una extensísima selección de documentales y experimentos audiovisuales, se proyectarán en los ejes neurálgicos de la Filmoteca de Cataluña, el centro cultural Francesca Bonnemaison y el CCCB. Entre ellos, películas de estreno, como las últimas realizaciones de, por ejemplo, Chantal Akerman y Sally Potter; hasta recuperaciones de referencias indispensables, caso algunos títulos de Wanda Jakubowsa y Bette Gordon. Por supuesto, no faltarán las iniciativas habituales de “Cortos en Femenino” y “El Vídeo del Minuto”, destinadas a difundir e incentivar, respectivamente, cine y audiovisuales realizados por mujeres.

Como viene siendo habitual, la inauguración y clausura se realizarán en espacios al aire libre y de acceso gratuito. Así, sin olvidar la proyección excepcional de War Don Don, anticipada al sábado 5, será con el preestreno de Moon Inside You en la plaza Virreina del barrio de Gràcia cuando se inicie la 18ª Mostra de Dones. Mientras que The Heretics, película que versa sobre la publicación feminista The Heresies, pondrá el broche final a la muestra en el patio del Espai Bonnemaison.






SECCIONES


Panorama Ficciones

Esta sección, en la que tienen cabida largometrajes de reciente realización, nos permite ver estrenos que, por la coyuntura internacional de la distribución, carecen de opciones en las (multi)salas comerciales. Son tres títulos, firmados por tres mujeres, los que integran la sección:

Louise Michel, la rebelle / Louise Michel, la rebel (Francia, 2009, 90´), de Sólveig Anspach. Biopic de la revolucionaria activista francesa Louise Michel, quien participó en la Comuna de París (1871).

Rage / Furia (Gran Bretaña, EE.UU., 2009, 99´). Incursión crítica de Sally Potter en el mundo de la moda mediante la incómoda apuesta formal del plano fijo.

Vision / Visión (Alemania, 2009, 110´), en la que la directora germana Margarethe Von Trotta se aproxima a la figura de Hildegarda von Binguen, pensadora y mística del siglo XII.



Panorama Documentales

70–80–90, Masum, Küstah, Fettan / 70-80-90, inocente, insolente, tentadora (Turquía, 2010, 40´), de Melek Özman

El general (México / EE.UU., 2009, 83´), de Natalia Almada.

Han bombardejat una escola / Han bombardeado una escuela (España, 2010, 25´), de Mireia Corbera, Anna Morejón, Sandra Olsina.

70–80–90..., Koolhaas Houselife, My Neighbour...The Heretics (EE.UU., 2009, 95´), de Joan Braderman.

Koolhaas Houselife (Italia, 2008, 68´), de Louise Lemoine, Ila Bêka.

The Moon Inside You / La luna en tí (España / Francia / Eslovaquia, 2009, 75´), de Diana Fabiánová.

My Neighbour, My Killer / Mi vecino, mi asesino (Francia / EE.UU., 2009, 80´), de Anne Aghion

Our City Dreams / Nuestros sueños para la ciudad (EE.UU., 2009, 85´), de Chiara Clemente.

Saint Louis Blues. Un transport en commun / Saint Louis Blues. Un transporte en común (Francia / Senegal, 2009, 48´), de Dyana Gaye.

El secreto de educar (España, 2008, 60´), de Sonia Tercero.

La terra habitada / La tierra habitada (España, 2009, 71´), de Anna Sanmartí.

El viaje del comenta (México, 2009, 86´), de Ivonne Fuentes Mendoza.

War Don Don / La guerra ha acabado (Sierra Leona, 2010, 85´), de Rebecca Richman Cohen.



Clásicas: Chantal Akerman

Directora habitual en la Mostra, este año proyectarán su último trabajo À l´est avec Sonia Wieder-Atherton / Al este con Sonia Wieder-Atherton (Francia, 2009, 51´), sobre el arte interpretativo de la violonchelista Sonia Wieder.



El sexo de los ángeles

El éxito de esta sección, inaugurada el año pasado, se confirma con esta nueva e interesante selección de películas. Filmes que reflexionan en torno a las sexualidades, “en estas obras se exploran muchos matices, a menudo borrados o negados, de las diferentes identidades sexuales de los individuos”. Los títulos que integran la sección son:

Before Stonewall, The Fall of Womenland, The Marina ExperimentBefore Stonewall / Antes de Stonewall (EE.UU., 1985, 90´), de Greta Schiller. Documental sobre los movimientos de liberación gay, lésbico y trans durante el periodo clave de la mitad del siglo XX.

The Fall of Womenland / La caída del País de las Mujeres (Canadá, 2009, 46´), de He Xiaodan, en la que se muestra una de las últimas sociedades matriarcales que pervive entre las mujeres Musuo, del suroeste de China.

The Marina Experiment / El experimento Marina (EE.UU., 2009, 18´), en la que Marina Lutz recupera filmaciones y fotos familiares que abren un ensayo sobre el voyeurismo y las tendencias pedófilas de su progenitor.

Against a transnarrative / Contra una transnarrativa (EE.UU., 2009, 61´), de Jules Rosskam.

Paris is Burning / París se quema (EE.UU., 1991, 71´), de Jennie Livingston.



Pioneras

En su esfuerzo por recuperar y reivindicar trabajos de las realizadoras pioneras, este año la Mostra se fija en la directora polaca Wanda Jakubowsa. Concretamente, seleccionan el “documento imprescindible” Ostatni Etap (Polonia, 1948, 81´).



Imágenes del Deseo: El cine de Bette Gordon

Bette GordonReferente en el cine independiente americano, la Mostra invita a Bette Gordon a presentar su última película Hansome Harry /Harry el guapo (EE.UU., 2009, 95´). En ella, al igual que en Variety (EE.UU., 1984, 97´), que se recupera para la ocasión, Gordon realiza una exploración sobre la sexualidad y los deseos.



Historias del feminismo

Espacio dedicado a recapitular la historia del movimiento feminino, en esta ocasión está centrado en la década de los `70. Los tres títulos representativos son:

Débout! Une histoire du movement de libération des femmes 1970-1980 / ¡Alcémonos! Una historia del movimiento de liberación de las mujeres 1970-1980 (Francia, 1999, 90´), de Carole Roussopoulos.

Ragazze – La Vita Trema / Chicas – La vida tiembla (Italia, 2009, 85´), de Paola Sangiovanni.

Vindicación (España, 2010, 60´), de Susana Koska.



Ensayos visuales

Bajo esa sección se recopilan realizaciones que, firmadas por mujeres, plantean muchos interrogantes desde su arriesgada apuesta formal y narrativa.

DDR / DDR, Mi hermana y yoDDR / DDR (EE.UU., 2008, 135´), en la que Amie Siegel rastrea las formas panópticas de control que aún quedan de la antigua RDA tras veinte años de desaparición de la STASI.

Mi hermana y yo (España, 2009, 9´). Cortometraje de la española Virginia García del Pino, se circunscribe al oscuro mundo que se desvela tras las apariencias familiares.

Missä on missä? / ¿Dónde es dónde? (Finlandia, 2009, 55´). Reflexión sobre la culpabilidad que nos trae la finlandesa Eija-Liisa Ahtila mediante la fragmentación de la pantalla y, como correlato, de las perspectivas.

X–Mission / Misión–X (Suiza, 2008, 40´). Videoensayo de Ursula Biemann sobre las connotaciones (políticas, jurídicas, sociales, económicas) de las comunidades desplazadas.



Aprendizajes desplazados

Un año más (y ya van cinco) Virginia Villaplana y Montse Romaní se encargan de programar dos sesiones que, planeando entre el documentalismo y la ficción no narrativa, abren nuevas vías de escape a las convenciones y convencionalismos. Las sesiones estarán compuestas por:

MIÉRCOLES 16 –19:30h.: Absent Present / Ausente presente (Alemania, 2010, 85´), de Angelika Levi.

VIERNES 18 – 19h: S. Je suis, je lis à haute voix (Passing for) / S. Existo, leo en voz alta (Passing for) (Alemania, 2005, 17´), de Brigitta Kuster; Facing. A usual story from a nameless country / Orientarse. Una historia habitual de un país sin nombre (Dinamarca, 2008, 52´), de Pia Rönicke y Zeynel Abidin Kizilyaprak; y Les gardiens / Los guardianes (Francia, 2009, 16´), de Florence Lazar.




ACTIVIDADES PARALELAS


SÁBADO 5 – 19h –CCCB: Proyección de War Don Don (EE.UU., 2010, 85´), de Rebecca Richman Cohen. Proyección de este documento sobre el juicio por crímenes de guerra en Sierra Leona. Seguirá con un debate, en el que intervendrá la directora del filme, sobre la intervención de la justicia internacional.

MIÉRCOLES 16 – 19h –Centro Francesca Bonnemaison: Mesa redonda: Feminismos: circuitos de difusión. Contará con la presencia de Marian Torres (Parole de Queer), Eva Cruells (Donestech.net, Mujeres preokupando 08, Duoda) y Meri Torras (Lectora) en calidad de moderadora.

JUEVES 17 – 18:15h –Centro Francesca Bonnemaison : Exposición sobre la revistaVindicación Feminista. Visita comentada a cargo de Carmen Alcalde y Susana Koska. Exposición del 10 al 30 de junio.

SÁBADO 19 – 10 a 14h –Centro Francesca Bonnemaison : TallerEscribir con luz. Una introducción a la animación. Impartido por Lourdes Villagómez.



ESPACIOS:

web Mostra de DonesFilmoteca de Cataluña
Av. de Sarrià, 33
2,70 € (precio máximo)


Centro de Cultura Francesca Bonnemaison
C/ Sant Pere més Baix, 7
sesiones y actividades gratuitas


CCCB
C/ Montalegre, 5
sesiones y actividades gratuitas



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Crítica de El pastel de boda


Entre hipocresía y ternura 1 2 3 4 5
Escribe Carlos Losada

El pastel de boda

No deja de ser estimulante contemplar el juego que la burguesía francesa de provincias, y de cualquier capital y sitio mundano aunque no esté en Francia, puede provocar en cualquier lector y espectador dispuesto a examinar el comportamiento de sus semejantes. Aquí todo empezó con un best seller, escrito por Blandine Le Callet –publicado en España-, y ahora llevado a la pantalla por Denys Granier-Deferre.

El pastel de bodaPara empezar reconozcamos que la hipocresía es consustancial al ser humano, y que se ha practicado, y vivido, en todas las épocas de la historia conocida, y desconocida, esa que se oculta en los pliegues sinuosos del cerebro. Y se practica, y ha practicado, porque conviene a nuestra forma de relacionarnos con los demás; y, a veces, hasta de entenderlos. Lo cual no quiere decir que seamos hipócritas por naturaleza, sino que, sobre todo los buenos burgueses, hacen gala de ella de una manera que al cinismo dejan corto y alicaído.

Estos enunciados, teorías para mentes ociosas, están bien servidos en El pastel de boda, donde bajo la apariencia de un enlace todo elegancia en vestidos, formas, actitudes, palabras, se desliza hacia el análisis de unos comportamientos tan realistas como reconocibles en cualquier sociedad occidental, ya sea del campo o de la ciudad. En esta ocasión Denys Granier-Deferre lo sitúa en plena campiña, en un "chateau" típicamente francés –que también podría ser alemán, inglés, austríaco o español-, rodeado de prados y arboledas, sin faltar el río que le presta la humedad necesaria para que todo sea más auténtico, verde y natural.

Y como era de suponer, las apariencias pues son eso, apariencias. Porque después de unos primeros minutos de titubeos -la llegada de los familiares y amigos para asistir a la ceremonia eclesiástica y el consabido banquete en el "chateau"-, los hechos cotidianos, vamos a llamarlos así, van saliendo, llenando la pantalla, y lo que está más allá, para llevarnos hacia una pertinente, y a veces tierna realidad, que, como ya sabemos, no puede ser engañada.

Empieza con la presencia de la abuela, apoyada en su bastón, y a la que presta figura, actitud, rostro y voz la siempre imprescindible y excelente Danielle Darrieux, que no solamente enaltece y hace más que creíble su personaje, sino que proporciona las claves para que la hipocresía sea puesta al desnudo. Al poco, en la ceremonia de boda en la iglesia, otro excelente actor, Jean-Pierre Marielle, empuja las fichas en la misma dirección, al equivocarse con el nombre del contrayente, Vincent, y pronunciando en su lugar el suyo propio, Víctor, en consonancia con lo que ve y el recuerdo de la ternura que antaño tuvo y disfrutó.

El pastel de boda

A partir de este momento, y en las miradas de Darrieux y Marielle, tenemos toda la fina ironía que Granier-Deferre destila hasta que aparece el final, tan abierto como realista, para contarnos la historia rocambolesca de amores consumados y renegados, por interposición de la sociedad y la iglesia, y las consecuencias que aquello supuso para unos y otros.

En la sucesión de los hechos, con nota anónima al novio incluida, encontramos a la burguesía queriendo aparentar lo que no es, no ha sido, ni será: sincera, fiel, comprensiva. Y que se manifiestan en esas damas y caballeros tan bien vestidos que te producen desasosiego, y tan aparentemente bien hablados y circunspectos, que te dan miedo. Al margen del deambular de la pareja de recién casados, con sus celos primitivos y sus desplantes, y sus antiguos amores, están dos chicas desinhibidas y naturales, que se sientan atraídas y hablan y se acarician con ternura y conocimiento de los hechos cotidianos, la vida misma.

El redondeo, la sinceridad y la ternura, se muestra en la historia del cura y la abuela, Marielle y Darrieux, dando una lección de interpretación y humanidad como pocas veces –obsérvese a Marielle cuando va a la iglesia a preguntarle a Dios- y que nos llevan a lo contrario que los demás postulan: ¿la hipócrita apariencia debería prevalecer para estímulo de la burguesía?

El pastel de boda

De que no sea así se encarga Denys Granier-Deferre y su equipo, todos los actores incluidos, aunque a veces se revolotee con cierto exceso por el convite y algunos invitados que no acaban de encontrar su sitio, dándole una importancia que tal vez no tengan, aunque se muestre de forma natural.

El pastel de boda es película para reír y disfrutar, y que se lo digan sino al que lleva dicho pastel y al encargado de guardarlo en el "chateau", y que nos hace percatarnos de que la vida es algo más que la repugnancia de la hipocresía. Ya que se basa en la verdad de las personas y los hechos, y en la naturalidad con la que afrontemos lo que nos viene, bien por nuestros actos, bien por las casualidades que en el camino encontramos, y que al final hacen que la vida es lo que tenemos y que debemos saborear en todo momento y lugar, o sea como degustar un buen vino. No dejéis de verla.


lunes, 24 de mayo de 2010

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63 Cannes: Palmarés

web Festival de Cannes
63º Festival de Cannes



COMPETICIÓN OFICIAL

Otorgado por el jurado compuesto por Tim Burton (presidente), Alberto Barbera, Kate Beckinsale, Emmanuel Carrere, Benicio Del Toro, Alexandre Desplant, Víctor Erice, secar Kapur, Giovanna Mezzogiorno


Palma de Oro a

Lung Boonmee Raluek Chat / Tío Boonmee, quien recuerda sus vidas anteriores
de Apichatpong Weerasethakul
Coproducción: Reino Unido / Tailandia / Francia / Alemania / España




Gran Premio a
Des Hommes et des dieux
Des Hommes et des dieux / Hombres y dioses
de Xavier Beauvois
Producción: Francia



Premio del jurado a
Tournée
Un homme qui crie
de Mahamat-Saleh Haroun
Coproducción: Francia / Bélgica / Chad



Premio a la interpretación masculina (ex aequo) a

Javier Bardem
por Biutiful, de Alejandro González Iñárritu
Producción: España / México

Elio Germano
por La nostra vita, de Daniele Luchetti
Producción: Italia / Francia

Bardem y Germano, recogiendo el premio





Premio a la interpretación femenina a
Copie Conforme
Juliette Binoche
por Copie Conforme, de Abbas Kiarostami
Coproducción: Francia / Italia



Premio al Guión a
Poetry
Lee Chang-dong
por Poetry, de Lee Chang-dong
Producción: Corea del Sur





COMPETICIÓN OFICIAL CORTOMETRAJES

Otorgado por el jurado compuesto por Atom Egoyan (presidente), Emmanuelle Devos, Carlos Diegues, Dinara Droukrarova, Marc Recha


Palma de Oro a

Chienne d´Histoire, Micky BaderChienne d´Histoire
de Serge Avédikian
Producción: Francia


Premio del Jurado a

Micky Bader / Micky se baña
de Frida Kempff
Coproducción: Suecia / Dinamarca




CÁMARA DE ORO

Otorgado por el jurado compuesto por Gael García Bernal (presidente), Stéphane Brize, Gérard de Battista, Didier Diaz, Charlotte Lipinska


Año bisiesto
de Michael Rowe
Producción: México




UNA CIERTA MIRADA

Otorgado por el jurado compuesto por Claire Denis (presidenta), Patrick Ferla, Kim Dong-Ho, Helena Lindblad, Serge Toubiana


Premio Una Cierta Mirada a

Hahaha
de Hong Sangsoo
Producción: Corea del Sur


Premio del Jurado a

Octubre
de Daniel Vega y Diego Vega
Coproducción: Perú / Venezuela / España


Premio para la interpretación femenina Una Cierta Mirada (ex aequo) a

Adela Sánchez, Eva Bianco, Victoria Raposo
por Los labios, de Ivan Fund y Santiago Loza
Producción: Argentina

Hahaha, Octubre, Los labios






CINEFONDATION

Otorgado por el jurado compuesto por Atom Egoyan (presidente), Emmanuelle Devos, Carlos Diegues, Dinara Droukrarova, Marc Recha


Primer Premio de Cinefondation a

Taulukauppiaat / Los marchantes de cuadros
de Juho Kuosmanen
Producción: Finlandia


Segundo Premio de Cinefondation a

Taulukauppiaat, Coucou-Les-Nuages, Hinkerort zorasune, Ja vec jesam sve ono…Coucou-Les-Nuages
de Vincent Cardona
Producción: Francia


Tercer Premio de Cinefondation (ex aequo) a

Hinkerort zorasune
de Vatche Boulghourjian
Coproducción: Líbano / Estados Unidos

Ja vec jesam sve ono što želim da imam
de Dane Komljen
Producción: Serbia


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Documenta Madrid: The Cove

web Documenta Madrid
7º Documenta Madrid




The Cove
Louie Psihoyos, EE.UU., 2009

Por Arantxa Bolaños de Miguel


Richard O´Barry, el entrenador de las delfines que interpretaron la serie Flipper, vio el inicio de su vida como activista el día que descubrió el submundo que escondían los delfinarios, el lado oscuro de su profesión. Es por lo que ha pasado 10 años formando parte del negocio y lleva 35 años luchando en contra de él. A estos últimos años pertenece este documental, que crea una sensación terrorífica al saber de antemano el final de todo el proceso: la masacre de delfines en la cala (cove) de Taijii, sin ningún tipo de censura.

El director se propone mostrar al espectador sensible la verdadera vida de los delfines en cautividad y lo que es peor: las que no son tan “afortunadas”. Ya que los que no son elegidos —por no aptos para delfinarios— son asesinados de una manera cruel, y su carne vendida para consumo humano. Muchos activistas creen / creemos que mostrando la realidad es la forma para cambiar el mundo (al estilo del mito platónico), para alentar nuestra conducta y quitarnos la venda de nuestros ojos: sabiendo la realidad, por lo menos ya no seremos víctimas de nuestra ignorancia, sino en todo caso, y si no actuamos en consecuencia, cómplices del problema.

Amante de los animales y profundo conocedor de los delfines y de su inteligencia, se dio cuenta (cuando un delfín se suicidó en sus brazos) de que el idílico mundo que aparentan los delfines esconde grandes dosis de stress y de malestar que les imposibilita llevar una vida adecuada a sus necesidades (ya no sólo físicas sino psíquicas). Los delfines son unos animales con gran capacidad de empatía y un alto nivel de consciencia de sí mismos: son sociables y necesitan de estrechos lazos familiares. El director, además de los argumentos morales, incide en las consecuencias del consumo de carne de delfín: es portadora de grandes dosis de mercurio que son muy tóxicos para el organismo, y es la máxima responsable de la enfermedad llamada de Minamata.

Así, este tipo de documentales consiguen, como las grandes y pequeñas asociaciones, que personas con cierta capacidad empática cambiemos nuestros hábitos como consumistas ya que si no provocamos que la cadena de explotación continúe. Porque cuando el fin de la explotación es el consumo, el consumidor tiene el poder: si está informado y tiene cierta sensibilidad tiene el poder del cambio, esto es, a negarse a consumir cualquier producto que proceda de la explotación de cualquier ser vivo. Y éste es el verdadero fin de estos documentales, pues el director, como muchos otros pensamos, cree que la información veraz sobre lo que ocurre en muchos ámbitos provoca que actuemos en consonancia con ella. Pero no es un documental maniqueo en el que nos dice exactamente como debemos actuar, sino que pretende que el espectador, gracias a un mínimo sentimiento de empatía e inconformismo, descubra su propio modo de luchar contra esta masacre que ocurre en Taijii: yo he elegido el poder de las palabras, el alentar al lector de esta crónica a presenciar este documental digno del mejor activismo, pues documentales como éste son necesarios para conocer la cara oculta de muchas facetas que (los ingenuos) creen idílicas: los zoos, los mataderos… En fin, cualquier uso que hagamos con el único fin de nuestro beneficio económico y sin atender a la primera verdad de todo ello. Porque nunca debemos olvidar que los animales son seres vivos, con capacidad de sentir y sufrir y con una dignidad que todavía no les es defendida todo lo que merecen y protegida y que, gracias a documentales como éste (y añadiendo la publicidad que le acompaña, ya que ganó el Oscar al Mejor documental en el 2009), podrá tener mayor alcance mediático y la verdad de estos hechos atroces podrá llegar a un número importante de la población mundial.





domingo, 23 de mayo de 2010

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Crítica de Nausicaä del Valle del Viento



Hermoso mito animado 1 2 3 4 5
Escribe Ángel Vallejo

Nausicaä
Gracias al artículo de nuestra compañera Daniela, sabemos que Nausicaä constituye el primer largometraje del maestro Hayao Miyazaki en colaboración con Studio Ghibli; no obstante, sería injusto obviar que la película tiene un recorrido mucho más largo que el exclusivamente cinematográfico.

En principio Nausicaä fue concebida como cómic, y de hecho su desarrollo en formato impreso se prolongó durante doce años (desde1982 a 1994), con lo que es razonable pensar que el correspondiente animé sólo comprende uno de los primeros capítulos de una historia mucho más compleja y fecunda.

No puede colegirse de ello, sin embargo, que se trate de una aventura inconclusa en el doble sentido de la palabra: relato inacabado por un lado y sin conclusiones sobre las que reflexionar por el otro.

NausicaäSi bien es cierto que la historia da mucho más de sí en el manga, no lo es menos que la mayor parte de las ideas se encuentran ya en esta especie de anticipo cinematográfico; en él se nos habla de temas muy queridos por realizador japonés y que constituyen la espina dorsal de casi toda su filmografía: el amor por la naturaleza, el desprecio hacia la contaminación y los efectos indeseables de la civilización industrial y la guerra, además de un cierto feminismo sutil, casi Carrolliano, donde los personajes femeninos son mucho más conscientes y menos agresivos que sus homólogos masculinos. Baste señalar que incluso la excepción a la regla, esa agresiva emperatriz que pretende la conquista mediante la fuerza bruta, modera un tanto sus posturas tras conocer a Nausicaä, aunque su transformación en personaje amable no pueda completarse hasta episodios posteriores exclusivamente del cómic.

Si además tomamos en consideración la fecha de nacimiento de Miyazaki, el año 41 del pasado siglo, no es extraño descubrir algunos de los temores ya casi atávicamente nipones que pueblan sus filmes, como el miedo nuclear y el imperialismo belicista: nótese que el “enemigo” a batir es por un lado un “hongo tóxico” y por el otro la ya mencionada emperatriz que ansía la conquista por encima de todo sin miedo a despertar a los dioses de la guerra que antaño casi aniquilaron el planeta y que curiosamente expresan su fuerza mediante explosiones descomunales.

Nausicaä

Así pues, no cabe plantear la insuficiencia reflexiva, dado que los temas y sus consecuencias aparecen claramente definidos, ni tampoco su provisionalidad, puesto que la película está narrada en forma de mito clásico que arriba al cénit por medio de la apelación (eso sí, un tanto apresurada) a la leyenda que cuentan los mayores del valle. El cierre es, si se quiere, una invitación a imaginar (o leer) el desarrollo de las posteriores aventuras de los habitantes del valle del viento desde un nuevo comienzo mediatizado por las consecuencias de este capítulo inicial.

Abundando en las riquezas del film, no podemos dejar de lado el hecho de que su visión es altamente recomendable tanto para adultos como para niños.

Al contrario de lo que ha sucedido en experimentos recientes que no logran conciliar el equilibrio generacional, Nausicaä resulta lo suficientemente sugerente y madura como para ser disfrutada por los acompañantes de más edad de esos niños que deben ser los verdaderos destinatarios de un filme que no renuncia a los valores, siempre sin moralizar y que entretiene sin banalizar.

Ello se debe principalmente a los ya conocidos puntos fuertes de un Miyazaki que por entonces se hallaba en su madurez creativa: la imaginación profusa tanto en lo visual como en lo argumental, el talento estético y la fuerza dramática, añadiendo a ello una capacidad para crear mundos tan sugerentes que no puede descartarse el añadir una maldad complementaria a la reflexión de Daniela: El reestreno de Nausicaä no parece deberse sólo a cuestiones de marketing, aunque sin duda a la base de tal actuación pueda encontrase una motivación económica… el que aparezca en nuestras pantallas un producto de más de veinticinco años podría también tener que ver con las similitudes del clásico de animación japonesa con el supertaquillazo de James Cameron, Avatar, y puede ser interpretado como un último bofetón en el ya hinchado carrillo del norteamericano que ha visto cómo se le acusaba una y otra vez de plagio sin consideración alguna a su estatus de director más laureado de Hollywood.

Nausicaä

No obstante, similitudes aparte y teniendo en cuenta la caballerosidad nipona que excluiría todo recurso al escarnio, podríamos considerar que los males de Avatar se deben a lo trillado de su argumento, y que la grandeza de Nausicaä no deriva sólo de su anticipación temporal: ésta es sin duda una película mucho más profunda y rica que su sucesora, y atesora mayor talento creativo. Ello de por sí es ya una invitación a disfrutarla en pantalla grande, o como mínimo, a adquirirla en formato doméstico para su revisión a lo largo de distintas generaciones. Estamos seguros de que no las defraudará.



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